芝加哥

电影《芝加哥》中，没有故事，没有新闻，只有炒作，只有若有若无的绯闻计划，只有充满着酸甜苦辣的人生百味，一部歌舞剧竟道出这般深刻的人生哲理，从这个层面上讲，《芝加哥》着实不失奥斯卡水准，当然，亦是一部难得的佳片。

依常理，但凡歌舞剧，其势必喧嚣，其舞蹈必曼妙，要么谈情，要么说爱，风花雪月，才子佳人，加入煽情的成分则华丽转身，变穷小子追逐富家女的千古绝恋，《红磨坊》即如此，但风月归风月，其情虽刻骨铭心，但其理却尽显苍白肤浅。

人间冷暖，人生悲欣，在《芝加哥》中得到了淋漓尽致的完美呈现，观其外，音乐优美，舞蹈华丽，美女帅哥，动人心魂，摄人心魄；品其内，则酸甜苦辣，人生百味尽显无余，细细品味，则觉其内涵越深，其外延越广。

一个是怀揣着明星梦想的美丽女子被情人所蒙骗，结果，一怒之下，开枪将其击毙；一个是歌舞巨星因无法忍受男友和妹妹的暧昧而开枪将两者击毙，两人都被送往医院，等待法院的裁决。

主角的人生就犹如一场过山车游戏，先喜，再悲，再喜，再悲，最后皆大欢喜。

情节曲折，亦耐人寻味，她成功摆脱死刑的判决，和其懂得利用媒体和人们的同情心借机炒作密不可分，其在遭遇读者和媒体的冷漠后，不失时机的炒作自己，炒作大众话题，将其本人事件炒作的风生水起。

在芝加哥没有永远的明星，一切都是浮云，没有什么是恒久的，人们喜欢的只是那一个个的绯闻和炒作，这亦是当今这个媒介社会的真实写照，人生如戏，戏如人生。

不难理解为什么美国人民都爱玛丽莲·梦露。

经济衰颓的日子里，没有什么比金发尤物更能鼓舞人心的了。

思考让人心生烦躁，于是我们选择那些轻松的肤浅的可笑的诱人的娱乐来打发时光——人类的原始欲望原本就只有两种，食物和性。

当上帝夺走了我们对于食物的安全感，那么我们的奢想也就仅剩下性——玛丽莲·梦露，在某种意义上，即是上帝的馈赐。

只不过塑造她的，除了上帝，还有我们自己。

当我们将所有关于欲望的标准放在一起，丰乳肥臀，明眸皓齿，充满挑逗感的金色卷发，迷离而俏皮的眼瞳，哦，还有，应该是那种不懂得思考不懂得忧愁的简单动物，欢笑，来，继续欢笑，跳舞，继续跳舞，旋转，旋转，旋转！

玛丽莲·梦露深知游戏规则。

她的聪明在于她愿意掩饰自己的智慧而仅仅在舞台上扮演那么多年的无脑美女。

哈，性感尤物！

她知道人们需要的就是如此。

但Roxie不是玛丽莲·梦露。

尽管她年轻，性感（哦，的确，她没有那样丰满的身材，但谁敢说她不是性感的呢？

），金发，长腿，懂得卖弄风骚，也懂得在适当的时候施展演技。

但Roxie，她只是Roxie。

芝加哥的规则，永远不由这些性感尤物来决定。

“永远都有新鲜的血液。

”比利一语双关。

他才是这个秀场永不落幕的明星。

威尔玛说得很对，他的顾客，只是他自己。

女人们永远是他手里的玩物，他即兴演绎的返场小舞曲。

他可以把她们变成他想要的任何样子，只要他愿意。

他出售故事，谋杀，艳情，小道消息。

他出售，而他们购买。

没有人关心这些漩涡中的女人们的最终命运，他们只是需要一个故事，一个可以让他们在茶余饭后，一边聊天一边揉着胸口叹着“哦！

”的故事。

芝加哥永远热爱新鲜的故事。

因为生活本身真是毫无可取。

在这样的世界里，Roxie是放荡的，也是天真的。

她以为登上舞台就是故事的全部。

于是她千方百计地跻身她的梦想之地。

上床？

她以为这就是万能通行证——的确它是，只不过通向的是监狱。

而监狱，和外面的芝加哥有何不同？

Roxie又是幸运的，她尽管放荡，却还有一个坚贞不渝的傻瓜愿意为她付出一切。

于是一切开始往她的理想步步逼近。

甜美的谋杀犯登上了芝加哥的爵士舞台！

哦，finally！

接下去的故事，当然是在意料之中。

芝加哥从来不缺乏Roxie Hart这样的小点心。

百老汇的歌舞剧总是喜欢歌舞升平的调调，尽管《芝加哥》极尽讽刺，但还是给了一个虚荣的Happy Ending以迎合观众（是啊，看到这两位大美人落得那么悲惨的地步实在让人有点怜香惜玉）。

不过在这样华丽明媚的终场歌舞中，导演还是不忘来一次最后的黑色幽默： In fifty years or so 　　It's gonna change, you know 　　But, oh, it's heaven 　　Nowadays 她们刚唱完"五十年不变"，就到了美国股市崩溃的1929年。

很久以前，就看了芝加哥的电影版，立马就被深深地震撼到了。

影片通过大胆的编舞，服装道具设计，加上凌厉的剪辑，在虚实中来回切换，把故事人物那种迷恋金钱和权力的虚伪，游刃有余地操控舆论，整个芝加哥娱乐业乃至整个社会的堕落和冷漠表现得如此具体和精准。

即使电影版的故事，音乐还有一些概念性的元素都是源自音乐剧，但导演还是充分利用了电影的特有优势，在原有的基础上进行了再创新，融入了很多新的想法，生动地展现到观众的面前。

一个明显的创新之处就是将舞蹈世界和故事里的现实世界进行了的切割。

当舞蹈和歌曲展现角色内心世界时，用的是暖色调和各种夸张，金色闪亮的道具来强化他们内心堕落糜烂的形象；而在现实世界则用冷色调来反映周边环境、群众只追求爆炸性新闻的刺激和冷漠。

比如女监狱长莫顿的登场，在舞蹈的世界里她的造型穿金带银，皇冠，大金链子，大羽毛扇，无一不象征了她在监狱里的绝对权力。

而在现实世界里，看看是如何介绍她的初次亮相的？

第一个镜头先给到她的大胸，导演用这样一种隐晦的方式暗示了她的话语权。

当然这种风格上的反差只是形式上的，内容上导演则用快速剪辑通过角色连贯的动作将两个世界连贯起来。

此外还有一些其他的细节，比如用木偶戏来表现律师一手操控自己的客户，为她塑造“人设”，一手又操控新闻记者为舆论造势。

这个idea也许音乐剧里就有，但是电影版里导演用自己的想法将这个idea以这样更生动的方式展现出来。

又比如经典的cell block tango，开头用水滴声，脚步声和手指敲桌子的声音，混合组成了这段舞蹈配乐的前奏，让我想起了鲁宾·马莫利安的《公主艳史》的开头，这样声音的蒙太奇剪辑，妙啊！

难怪可以拿奥斯卡最佳音响

在舞蹈中巧妙地用红丝巾代表鲜血和谋杀。

整个编舞也是充满了力量和性感，同时还是用快速的剪辑来暗示每个人在作案时的冷漠和残忍。

我只能说，我从未想到过一个黑色犯罪题材可以和歌舞片能够融合地如此完美。

所以前一阵，当发现深圳有芝加哥音乐剧时，我自然是非常期待，希望能再次被震撼到了。

然而遗憾的是实际看下来的效果实在令人失望，看完感觉还挺出戏的。

出戏的原因主要有以下几点：第一，语言上的障碍。

由于芝加哥音乐剧全程英语对白，中文字幕只通过两边又窄又短而且还是竖着的屏幕展示，这个中文翻译得特别简单不说，更主要的是导致整个过程中我的目光要不断地在边上的字幕板和舞台中央来回游走，根本无法集中注意力欣赏表演本身。

而电影的字幕在屏幕下方，观看起来方便多了。

我算能听懂一些英文并且对剧情有所了解，尚且如此，那些完全是第一次来看的观众想必就更累了。

此外，也由于现场座位和舞台的距离，很难看清台上演员的面部表情，即使有细节的呈现，没有像电影那样的特写镜头，也很难捕捉到，代入感大打折扣。

第二，音乐剧是在舞台上实打实的表演，比较难在时间和空间上自由切换，有时候从左侧表演直接切换到右侧就代表了地点和时间的转换，过渡的节奏很快，观众很容易跟不上；同时也缺少交代故事发生背景和地点的背景板，导致看的时候总有一种不连贯的感觉。

听不懂讲什么，看不明演了什么，自然就出戏了。

更不用说去仔细欣赏演员们的唱功了。

第三，灯光和舞台上的道具也比较单一，很少有大型道具支持，如果舞台本身就这么大，怎么搞出大排场来？

无非还是靠剧场内本身的机关(主要是舞台中央的升降机，还有两侧可收放的垂直梯子)和灯光来营造，烘托气氛。

但是这些手段完全无法呈现故事本身传递的那种浮夸，纸醉金迷的感觉，灯光效果也一般，无法和电影版的效果相比。

只有在结尾是从顶上洒下了blingbling的碎屑算是把故事推向高潮。

（电影版的灯光非常用心，如下图，白色，红色，黑色异常分明,有条理地分割着同一个画面，每种颜色背后都代表了不同的涵义。

但是在我看的音乐剧版本里就没有这样的效果。

)

总的来说，音乐剧和电影相比，缺少多样的表现手段，电影有太多的手段来丰富最终的呈现效果，可以通过蒙太奇的剪辑实现时间和空间的跳跃，通过后期的特效来强化视觉表现力，通过不同的镜头给到特写或者远景来展示故事的背景或调动观众情绪。

但是音乐剧这些都没有。

我觉得剧院的条件对于音乐剧的呈现效果起着很大的作用，我去的南山大剧院，舞台的长度和纵深都不算大，各方面配置也都很一般，基本也就决定了演出效果的上限。

当然，我并不想说音乐剧被电影完爆，音乐剧作为另一种艺术表达形式，自然有它的优点，我作为音乐剧方面的小白，能想到的优点之一就是音乐剧的演员在声乐和舞蹈方面的经验和专业程度是远远超过电影里的演员的，而现场观摩如此高专业度的演出一定是另一种享受。

举例来说，我在B站看过一段悲惨世界25周年《do you hear people sing》 的片段，同样也没有什么逼真的布景，但里面的演员从脸上的表情到声音的情绪，咬字发力，都远远超过悲惨世界电影版的演绎，即使隔着屏幕我都被感染到了；当然也有一部分原因是因为给了演员脸上的特写镜头，不过现场也是有三块大屏幕的，相信现场体验绝对震撼。

我想还是会期待以后有机会去百老汇，看一看正宗的芝加哥音乐剧到底是什么样。

苦思冥想芝加哥到底怎么评价我感觉女性主义在电影里是流动的，你可以说在芝加哥里女人利用美貌玩弄愚蠢的男人的公平正义，是很feminism的，但你可以说本身“美貌”的评定就是男权话语体系下诞生的标准，全片的镜头都凝得不能再凝…而律师作为拯救者以及老好人丈夫作为守护者的角色设定，都无一例外的，很好莱坞式的刻板。

女性角色除了匈牙利女人是天使形象其余都是妖女形象，女角色之间勾心斗角，很符合男人对女人的幻想！

想看这部主要是因为看过监狱探戈的片段，以为是六个女犯人互帮互助的那种剧情，结果只看到争奇斗艳互相使绊子，最后五分钟才握手言和同台演出…带着恨…maybe。

而男性角色，丈夫好人，被绿了还当饭票，最后留下一个忧伤离开的背影；律师好人可能吧，总之塑造得很好莱坞诡计英雄，和丈夫挺互帮互助的，辩护还给他打折。

当然你也可以说这部电影的男女角色也倒置了，丈夫陪伴在出轨的妻子身边而非妻子陪伴在出轨的丈夫身边，当然我眼中看到的则是男人将自己的欲望和对女性的刻板印象倒映在电影里的样子，倒不如说“老实男人”的角色设置一直让我很反胃。

呃，说到这里，那不如说芝加哥所流露出的政治意味都要比女性主义意味更多…其余的，画面很好打光很好，歌舞和剧情融合得非常好，尤其是监狱探戈那里，木偶戏也很好，对于音效和音乐的衔接运用真是炉火纯青……这个剧情真的很适合歌舞片和音乐剧，因为整个辩护、整个司法，都是一出戏。

影片向我们展示了处于上世纪大企业黄金年代的美国芝加哥，在那样一个表面经济繁荣的社会形态下，人民心态受经济影响而产生的畸变是多么的可怕与荒诞。

导演通过影像的手法淋漓尽致地把歌舞升平的芝加哥中暗涌的名利暗流以及在这种涌动中人性和社会价值观念的异化呈现在观众的面前。

《Chicago》作为一部典型的歌舞片，以一定的剧情为主线，以音乐的叙事方法，通过绚烂的歌舞形式来烘托出主题。

在歌舞片中，常常会通过配对的人物来实现“拯救”的主题，通过一系列对抗性的情节，最终实现双方的相互拯救（引自《电影阅读方法与实例》）。

女主人公Roxie在影片开始时企图通过出卖自己的肉体来得到一个成名的机会，为了一个纯真的梦想而割舍了现实自己的纯真是多么的可笑与荒谬！

人民的心态在那样一个浮华糜烂的社会风气之下变成如此颠覆传统的意识。

好在，故事的最后Roxie和女二号Velma在经过了一系列的波折之后，最终通过自身的努力和合作赢得了掌声，而并非像最初的通过利用他人、捏造事实、依仗社会舆论等来得到注意。

当然我们也不难看出，这种特属于芝加哥的娱乐方式是被社会常态化的畸形的娱乐。

人们只有通过鲜血、暴力、或是层出不穷的罪恶才能达到兴奋，才能满足对于新鲜事物的欲望。

这是一种多么荒诞又让人无法理解的人性悲剧。

就像片中那个匈牙利女囚的死亡一样是否是在告诉人们，代表高雅的芭蕾已经像她一样死亡和没落了呢？

我们究其根源，虽然社会的经济形态起着决定作用，但社会舆论也需要在其中负很大的责任。

大众爱八卦，媒体爱话题，人要出名就要靠广播报纸的大肆报道，在这种恶性循环之外更是催生了一大批像Roxie这样的普通民众以及Billy这样需要靠传媒靠话题为生的律师。

甚至到影片的最后媒体的操作已经影响到了司法公正，社会舆论的力量已经改变了人们生活的方方面面，在如此这般黑暗与丑陋的芝加哥，人们怎样维持住自身的纯真呢？

影片中充斥着大量宣扬女权主义的话语，但又很戏剧性地让Billy这样一个男性人物去拯救那些杀害男人的女人们。

即便影片最后她们两个是靠自己的努力与合作赢得满堂彩，Roxie和Velma的成功也是不可否认地建立在Billy对她们最初的拯救之上。

所以纵观整部影片，男女的地位始终处在一种相对公平的状态下，世界是男女搭配下才能平衡的。

而社会经济体制下、社会舆论的控制下人们价值观念的改变着实是非常可怕的。

除了《Chicago》的主题层面之外，作为视觉元素的摄影手法也是相当值得一提的。

影片一开场就是主人公一双眼睛的特写镜头，并紧接着推镜头通过放大使之得到强化，形成巨大的视觉冲击力，牢牢地抓住了观众的注意力。

马上镜头带领观众来到了一个人声鼎沸的酒吧中，通过快速高频率的镜头切换让观众大致地扫视了整个酒吧的环境与其中的人物。

而这种快速无序的画面剪切与拼贴在整部影片中不断使用，通过大量的跳接给观众带来视觉接受上的断裂，造成观众审美接受上的间断性和跳跃性，从而加快了影片的节奏以及紧张感。

就整部影片中摄影机的状态来说，运动摄影毫无疑问的占了主导地位，尤其是像《Chicago》这类的歌舞片，多角度多机位多功能才能将歌舞的情绪色彩以及其视觉快感表现出来。

其中女二号Velma出场时的跟镜头不仅交代了环境而且同时让观众与剧中人物产生同样的紧张感，跟随着其脚步参与到故事的发展中去。

又如，阿莫斯出场时点缀用的移镜头，从记者拍家具商的尸体开始镜头不断移动，扫描了整个房间中的状况后镜头移到了阿莫斯，模拟了警长怀疑其口供的视点。

还有在牢房探戈开始之前的一个典型俯拍镜头，画面突然只剩下Roxie以及一张圆桌和一把椅子，一种压迫感和宿命感随即产生，追光灯的使用更是加强了上帝视点的效果，预示着紧接着就将发生什么。

因而，相比较固定摄影，移动摄影更能够增加影片的节奏感，使观众的感受更贴近真实状态。

另一方面，就影片的构图来说，《Chicago》属于动态构图以及开放式的构图。

由于歌舞片的基本要求在里面，构图的封闭会使画面缺少动感而失去影片所要营造的节奏，而且画框中的世界并不是孤立存在的，它时刻要与外界发生着关系。

例如警长在审问阿莫斯以及Roxie产生心理活动的时候，画面中舞台上同时出现了他们两个人，而且明显Roxie所占屏幕的比例比阿莫斯多，这种构图加大了两人的疏离感，形象地表达出两人关系的恶化，同时将观众的注意力有效地引向了画面内容中去。

另外Roxie在监狱厕所中偷听妈妈与Velma谈话的那段，导演通过狭小的一条缝模拟了Roxie的视域，将画面两边遮挡，形成偷窥的胆怯感，让观众同样产生身临其境的感觉，增加观众对主人公的认同感。

电影的构图不同于绘画摄影等静态的视觉艺术，它不仅是动态的视觉艺术也是表现电影完整意义的重要因素。

因而研究电影的构图要从各个方面进行探索。

《Chicago》中的色彩绝对是分析影片时不能忽略的，其重要性是毋庸置疑的。

整部影片都给人以高反差的视觉效果，首先是现实世界中偏冷的效果与心理活动中暖色效果的对比，其次还有舞台表演时不同人物的冷暖色效果对比都强烈地表现出一种讽刺的意味。

在心理感受上，红色作为暖色传达出紧张感与积极感，例如Billy的出场舞蹈、牢房探戈、木偶舞等几乎所有的舞台表演都是运用的红色舞台灯光，营造出一种快节奏突出、向外扩张的态势。

而在影片前段中Roxie与阿莫斯同时出现在舞台上的那段，Roxie微微泛橙色的红和阿莫斯的冷调深蓝色形成强烈的反差，一方面表现出阿莫斯郁结孤独感，另一方面也说明他们两人关系的进一步恶化。

而整体舞台色彩比现实中的鲜艳，更是讽刺地说明芝加哥是个声色犬马的世界，营造出荒诞嬉笑的电影氛围和一种强烈的讽刺效果。

最后，影片中的用光更是值得称道。

光是电影拍摄中最为重要的因素之一，光运用的好，对于整部影片的艺术价值提升具有非常重要的作用。

《Chicago》舞台上的追光灯等直射光的运用对于表现人物的轮廓与立体感起到重要作用，也增强了影片的戏剧性。

影片中阿莫斯的歌舞和Roxie唱《funny honey》的那段，逆光的运用使人物的轮廓表现最佳，获得剪影的效果明显。

其中唯独阿莫斯的歌舞用光使用的是单纯的暖色光，不像其他主角的歌舞表演用的是红色舞台光，这也从另一方面表现出整部影片中只有阿莫斯是诚实善良的，但这种品格在那个年代简直就是他的痛苦与不幸，这又是何其的讽刺和悲哀啊。

在光线的影调层次上，舞台光都是采用的高调光，用以表现其活跃与热闹也加强了空间的虚幻感。

同样是舞台上，在Roxie最后试镜的地方就相比较更为低调，表现出一种暗淡与凝重。

而在光线的造型效果方面，本片集自然光效与戏剧光效于一身，但着重还是偏向于戏剧光效，这与影片的题材是密不可分的。

在现实的世界中，自然光效能够充分的体现其逼真性与纪实性。

而戏剧光效的大量运用更加突出了与现实之间的差异性和人为装饰性，使物质世界与精神世界形成强烈的反差，从而表达影片的主旨。

本片不仅在以上方面有着突出特点，其影片的视点也是涉及到好几种。

像刚开始时Roxie的主观视点，到后来的预告性视点等让观众在观赏影片之时带有紧张感，更容易投身于角色中去，加强了影片的可看性。

综上所述，本片是一部集所有商业片要素于一身的商业片，同时又是一部具有现实批判性和艺术性的文艺片。

影片不断利用歌舞片段来切换现实世界和人物心理活动，运用人物的重复出现和人物动作的一致性来表现剧情，突出了事件发生的重叠性和重复的主题。

在穿插着歌舞、爵士与故事情节的展现中，将芝加哥社会金钱至上的丑陋面纷呈于前。

很喜欢这部歌舞片诚实地展现女性的欲望，从歌舞到灯光到表演都好有表现力！

开头的情杀与女子监狱宛如《肖申克的救赎》的翻版，主流价值也是，但这部剧没有以完美人设去塑造女主，关于名望的症结到最后也没解开，有限的生长事关梦想，让我很同情很喜欢也很关注女主的命运。

这部剧是现代社会的镜子，舞台本来就是消费时代的隐喻，每个人十秒可以成名，尤其是呼应大众欲望和审美的。

这部剧可以从反讽的角度去理解，从一开始，拯救roxie的就是男性，丈夫从经济上的支援，律师从舆论上的智谋，就连最后女性写作也是被杜撰和虚构的，社会的主流权力和话语都为男性所操纵，所以表现主义是一种另外的社会写实。

什么环境诞生什么样的逻辑，也只有用男权的方式才能呼应男权造星的消费，之所以能上诉成功也跟从头至尾营造大众传媒喜爱的女性形象有关。

特别喜欢女死囚夜晚对前男友的吐槽，还有女主日记的吐槽，女二对舞蹈的狂热……都特别有生命力。

无论是展现女性虚荣，女性贪婪，都是在将女性作为真实人物彰显，而对大众对她的捏造形象始终持有讽刺态度，这件事还蛮酷的！

而明星的身份，如果单以黑红也是红这一态度去营造，恰热钱恰烂钱，最后总有被长江后浪推前浪一朝卷在沙滩上的危险。

双女主之所以能走出来，也是因为她们之前的人设身份，她们以有限的姿态争取着独立和自由。

庭审结束后，自由最终成为最重要但是女主最不在意的东西，公平正义也是社会最重要最不重要的东西，美也是最重要但最不重要的东西，所有的都被热度捆绑着。

这件事本来就非常的有隐喻意味。

最美的还是死囚执刑的一幕，我感觉它代表着作者的一个基本价值，对于死亡的重视，还有对人性的反思，对生命的惋惜，对女性发自内心的赞美。

很喜欢这部剧各种方面的表达，世间万象，全诉以眼花缭乱的歌舞之间。

丈夫黑化程度有限，就算根基仍是爱，女主不选择回归家庭也很重要，就算事业失利也不回家，她有自己的追求在。

最终一个新的案子发生，一名陌生女性杀了丈夫和律师，虽然是虚晃一枪，但也以特别的方式宣泄了观众的情感，其实这些爱和帮助都是牢笼。

那种极其真实的讨好，互相陷害，互相帮助的女性关系，仍然是男权社会的表象下一直被忽视，但仍然在不断延续，具有特别生命力的事物。

有一类电影，它们堪称典范，只能模仿，无法超越，它们之后的类型片成为“后××”电影。

例如：后《骇客帝国》时代的科幻动作片；后《指环王》时代的奇幻史诗片。

一类影片因为某一部的功成名就雨后春笋风起云涌，但没有谁能再次成为呼风唤雨的王者。

或许《芝加哥》的出现，也使它之后的歌舞片进入了后《芝加哥》时代，它的完美让歌舞片前景黯然，所有的模仿也许只是另一种空白。

《芝加哥》让人百看不厌，是因为它歌舞升平、流离张弛、戏谑有度、浮光掠影。

本来就不需要太多深入灵魂，香艳魅惑得淋漓尽致，便足够愉悦神经。

《芝加哥》就是如此。

珠光宝气、绫罗绸缎、活色生香、欲望高涨，到处是修饰过度的脂粉气。

它俗气并自负，它却生动无比，它的浪荡狂野让一切清高和矜持黯然失色。

一连串流畅奔放的蒙太奇，舞台和现实一片离奇的混沌，丰乳肥臀香歌魅舞之外，叙事本身即性感迷人。

《芝加哥》的一切都让人大呼过瘾——如果流气的约翰特拉沃尔塔，能取代木讷的理查基尔的话，就全篇完美了。

PS:相比下，《吉屋出租》就显得十分生涩了～～～

一句话评论With the right song and dance, you can get away with murder. In a city where everyone loves a legend, there's only room for one. It's Just A Noisy Hall Where There's A Nightly Brawl...and All That Jazz The one movie that has it all. It began with a hit... If You Can't Be Famous, Be Infamous.幕后制作要充分欣赏这部2002年度的第75届奥斯卡最佳影片，必须细细品味其中的嘲讽精神。

影片用貌似赞美的口吻，把上个世纪20年代以芝加哥为代表的浮躁心态彻彻底底挖苦了一番，而里面的内容对于80年后的今日中国居然不乏适用之处。

片中有一句经典歌词，叫做“杀人可以是一门艺术”，该片的妙趣可以归纳为“恬不知耻可以是一门艺术”。

马歇尔承传了鲍伯·福西的风格，并大胆将整部影片处理成罗西的幻觉。

他充分发挥出演员的歌舞潜能，泽塔-琼斯获奥斯卡最佳女配角，其他多名演员获提名；他还赋予“监狱探戈”、“操纵媒体”等片断高超的视觉创意。

花絮 ·在影片中，两位女主角为了争得名声而明争暗斗；而电影的现实中的女主角之争，也是异常激烈。

麦当娜、戈迪·霍恩、妮可·基德曼、朱丽娅·罗伯茨等著名演员都有过和“芝加哥”的“绯闻”。

·在男演员方面，曾经主演过《油脂》、《低俗小说》、《变脸》的约翰·特拉沃尔塔(John Travolta)一度收到制片方的邀请，最后他却以不愿意在20年后投拍一部类型相同的影片拒绝出任男主角。

·另外一个谣传，则来自于本片的CD大碟。

曾有传说珍妮·杰克逊曾有意献歌一曲，到最后却不了了之了。

·成为米拉麦克斯电影公司票房最高的电影，国内票房就到达了一亿七千一百万美元。

·该片音乐剧从1975年4月12日开始，在美国纽约的百老汇演出，直到1977年8月27日停止，总共演出936场(包括24场预演)。

·导演希望凯瑟林·泽塔-琼斯在影片中展现自己真实的长发，但她坚持要换成短发。

在人物杂志采访时，她的解释是不想让长发垂在她的脸上，这样就会成为大家怀疑她是否真的在里面跳舞的一个把柄。

·这是约翰·特拉沃尔塔拒绝然后理查德·基尔接下演出的第四部电影，之前还有美国舞男 American Gigolo (1980)，天堂里的日子 Days of Heaven (1978)，军官与绅士 An Officer and a Gentleman (1982)。

·理查德·基尔花了三个月的时间上踢踏舞课。

他的踢踏舞场景是在半天时间内拍摄完毕的。

·在监狱场景中，胡雅克开始说的是匈牙利语，但最后的一句话说的是俄语，她说的意思是“救命，救我，好吗？

”穿帮镜头 ·连贯性：荣斯看着弗里德的钱包，在里面的那张弗里德孩子们的照片。

·时代错误：在法庭的美国国旗上有50颗星(应该是48颗)。

·荣斯·哈特唱歌的场景中，就在她唱着“谁说凶手不是个艺术家”，荣斯走过一排镜子。

拍摄途中，就在荣斯的右边可以看到摄影组工作人员的倒影。

·连贯性：当荣斯拒绝手下维尔玛的钱时，维尔玛把钱放在她的裙子下面。

在每一个镜头中，钱的位置都在变化。

·在表演“单人房间探戈”的时候，可以在安妮的胸前黑色的装饰上面看到录音器。

·事实错误：在电影好几次提到哈里森是区律师助理Assistant District Attorney。

实际上在伊利诺斯州，并没有区律师District Attorneys，他们被称之为州律师State's Attorneys。

·连贯性：在唱“爱是我关心的全部”时，女犯人脱下她们的囚服，在一个镜头中，她们戴上头巾，在接下来的镜头中，她们再次把头巾戴上。

·连贯性：荣斯和比利在讨论她该在法庭上穿什么衣服的时候，在她的右边的头发上，有一段很长的马尾辫时有时无。

·在最后跳舞的场景中，可以看到有人在维尔玛和荣斯身后通过麦克风说话，指挥着他们。

然而，在介绍他们第二段表演时，你可以听到同样的声音，但冲着麦克风说话的这个人已经转身在看音乐师，麦克风离他的嘴巴很远。

一口气看完，中间根本就停不下来。

作为一个商业歌舞片，《芝加哥》绝对有资格教一些现实主义题材作品“反讽”两个字到底怎么写。

两个杀人犯摇身一变成了绝世明星，她们用来杀人的手枪变成了她们惊艳表演的点睛道具；唯利是图的律师高歌爱情，道貌岸然的施舍是他名声远扬的工具；被带了绿帽依然对妻子不离不弃的丈夫化作小丑低泣自己的遭遇却无人理睬，成为这个娱乐至死之城最大的笑话；背叛，枪杀，谎言，欲望像美妙的爵士乐一样，日复一日供养着这座城市贪得无厌的八卦胃口。

整部电影集聚了爵士乐的所有特点，性感到窒息，诡异到美丽，变幻莫测的惊喜，狂野放荡的精致，每一帧都让人想舔屏。

一边看一边觉得，我这辈子都不可能看到比“监狱探戈”更性感的表演了，水晶吊带袜里藏着心机，黑色蕾丝束身内衣里塞满了钞票，美妙的肉体可以让一切谎言变成真相，滑稽到可笑却符合大众审美的表演也能让公平正义的庭审变成一场精彩绝伦的马戏表演，正如男主那句话：“这里是芝加哥，宝贝儿，你永远都比不过那些新鲜血液。

”紧凑流畅的剪辑和华美绝伦的布景，爵士歌舞和剧情推动的无缝衔接与交叠，一扫对歌舞片那些歌舞表演嵌入情节发展过分生硬的偏见，从来都不会觉得莫名其妙唱起来跳起来让人觉得无故跳戏，无聊的劝说变成了爵士，冗长的独白变成了爵士，悲戚的诉苦呢变成了爵士，狂暴的骂街变成了爵士，所有的表演都成为剧情发展必不可少的一部分，就凭这一点，私以为已经秒杀了《爱乐之城》和《红磨坊》。

这部电影里没有几个好东西，监狱妈妈，不败律师，报道记者，和老婆的妹妹私通的丈夫，不顾家室到处哄女人上床的家具商，全部都是千千万芝加哥居民的缩影。

浸泡在酒精和爵士乐里的城市无地容纳那么多真善美。

人人都在奔向天堂，人人都在天堂的反方向，两位女主性感的美丽的皮囊下实则就就是不折不扣的婊子心，就算充满了谎言与欺骗，却没有一个人能够做到痛恨她们，毕竟在芝加哥这样一个浮华之城，名利之都，还有什么能比性感的爵士乐，顶配的妓女和膨胀的欲望更鼓舞人心的呢？

看似大团圆的结尾也一点都不敷衍，仔细看就能看出背后尖锐的留白，声名大振又如何？

别忘了，宝贝儿，这里可是芝加哥！

首先要澄清的是，我清楚地意识到创作者呈现某个特定题材并不等于其认同此种价值观。

但是此剧对一个具有现代性别意识的女性观众，的确是提供了被侵犯的观影体验的。

现代性别意识的缺乏看到部分豆瓣评论竟称此片是女权主义的，无奈之余，只想首先抛出一个显而易见的逻辑来驳斥此种观点——创作者聚焦和呈现女性（或者是别的群体）不天然构成对该群体的直接关怀，故事怎么讲的依然很重要。

全片的视觉元素和内容叙事无处不在暗示编剧和导演缺乏现代女性性别意识。

女性的着装和表演完全服从好莱坞主流的男权审美凝视，很物化女性的审美状态。

对于女性角色的勾勒，如果说要有突破，可能对比的只能是那些女性完全是附属角色的作品——在那些作品里，女性是扁平无姓名的状态，连作恶的能力都没有，隐藏在社会主流之外的第二性。

芝加哥里的女性，仿佛是更有力量，敢于作恶的，女子监狱的题材的确是好莱坞主流里比较少关注的。

但这种表面的虚掩一枪，在性别意识上与更倒退的那些片子其实大同小异，甚至此处的动机可以更恶劣——挟持弱势群体的故事以博人眼球。

目的并非是要激发社会正向关注，而只是利用奇观效应博取观众的好奇心，落脚点依旧是自己的作品能否获得实际利益。

具体来说，片子里的两位女主角，依然是弱势和受害者群体，喜怒无常和过分的情绪化。

我们当然可以争辩，喜怒无常和情绪化并非不可以是正面维度，但是大部分观众都可以明明白白产生对这种喜怒无常的负面体验，那么此种直觉式的反应留给观众的负面结果就不可以被忽视了。

反之，片中的男性主角大律师则一直以一种游刃有余自信的状态出现。

的确，片子对其的塑造是有讽刺意味的。

但男性居于主导地位的叙述也是明明白白传递出来的。

再次回到开篇抛出来的论点，创作者对这种现象的忠实呈现（的确，好莱坞是这么乌烟瘴气的），并非自证其对这种现象的认同，甚至有可能是出于想要批判的初衷。

但是，恰恰是因为此种偏见和陈腐的性别观念如此顽固的植入了普罗大众的认知，真正有效的打破方式必须是更决裂式的。

忠实的呈现，是不足以激发批判思维的，甚至容易被再次误读。

重述现实的讽刺式的批判在现代女性生存状态没有真正改善之前，很难成为行之有效的发声手段，话不说清楚的话，一些别有用心的人很有可能会说，她只是在欲拒还迎，是害羞吧。

此处，亦没有想要赶尽杀绝男性视角的意思，只是希望看到更多女性角度的凝视来丰富主流审美。

或者说，无论哪个性别的创作者，都能够审视一下自己故事里女性的状态。

优秀的歌舞剧视听语言抛开性别意识，放纵自己去欣赏的话，本片的歌舞剧视听语言的确是一流的，其中几段歌舞的形式（个人最喜欢的是六个女子在监狱的探戈和记者会提线木偶的两段）滴水不漏的宣告了形式可以如何反哺和支撑电影的内容意义。

所以最后又回到了那个老生常谈的问题，只能选一个的话，到底是要好心肠还是好才华呢？