艺术家

据说今年是个穿越很流行的年份，也有这么部影片穿过历史的尘埃，让默片这个近乎失落的手艺再次进入人们的视野中。

对于大多数人而言，属于默片的印象可能都停留在卓别林的喜剧，仅靠夸张的肢体语言以及丰富多变的面部表情，无需大量的对白就足以让人们毫不费力的融入期间，感知到影片的弦外之音。

在时光逝去近百年后，电影也早已不局限于皮影戏般的表现形式，经历了从无声到有声的蜕变，一部《天神下凡》更是掀起了又一次的技术革命，但纵使时代更替，人们依然喜欢念旧怀古，会停下匆匆前行的脚步，细细品味那些被时间封存了许久的记忆。

所以《艺术家》的出现从某种程度上弥补了人们的这种恋旧情节，其从戛纳的备受亲睐到好莱坞的极力追捧就可窥见一斑。

影片完全采用了传统好莱坞的叙事手法，利用简单的画面、简洁的字幕、生动的音乐，精心构筑电影这一门艺术的同时也在向默片时代致敬。

于有声时代拍一部默片，就好比今人绞尽脑汁填一阙古词，不是不可，却万难有昔人的韵致。

无论是那个年代流行的片头还是大萧条时代亲民的爱情喜剧模式，抑或是那些经典的画面转接，都看得出导演在复制早期电影的视觉效果上破费心思，甚至让胶片的转速从每秒24格降到了16格，一切的努力都是为了力求高度的仿真。

George和妻子吃早餐一场戏的蒙太奇场景，则是明显效仿了奥逊•威尔斯的《公民凯恩》。

事实上，就连故事线也是好莱坞影史上屡次被翻拍的《一个明星的诞生》和著名的《日落大道》的混合体。

但《艺术家》并不是一个忠实的默片的复制品，拍摄的机位选取并没有沿袭默片的走位，大量的音乐被铺设在音轨上（当然了现代电影院是没法放置一个小型交响乐团现场伴奏的），同时在个别段落也实验性的加入了环境音、动作音甚至台词，这样做的目的是便于观众产生更多的共鸣。

因此它更像一部用现代工艺再造还原的经典老爷车，可这些看似的“瑕疵”丝毫不会影响它成为怀旧者的心头之爱。

因为默片的缘故，演员的表演很大程度上决定了影片的成功与否，因此电影收获的热烈掌声也与表演部分的出彩密不可分。

故事中的默片明星乔治瓦伦丁虽然不是一个性格复杂的角色，但他却是一个前后心理落差极大的人物，在全无对白支撑的前提下，让•杜雅尔丹不仅将乔治在事业巅峰时的得意乃至自负表现的淋漓尽致，而且更是把他一落千丈后的失魂落魄跃然于荧幕之上。

让 杜雅尔丹那个略显滑稽的笑容同样有着迷人之处，也能让人们透过此看到其可爱的一面。

虽然导演大多数时间表达着对默片的敬意，但也没有回避它被最终替代的残酷现实，那个在楼梯相遇的桥段中，两人的相背而行就暗喻着无声片的落寞与有声片的辉煌。

话语即权力。

有声电影和无声电影的分道扬镳，不只是在于剧中人物是否有一个“说”的表达，而非字幕的连番补白，更在于掌握话语的一方拥有话语权，话语不再是语言中的一个概念，而是权力的组成部分。

在默片世界中，男主角乔治的肢体表演占据绝大部分观赏空间，身体是权力的符号，支配观众的凝视，然而对人类交流上最直接的话语表达方式，却失去控制。

关于说与不说，乔治在同世人抗争的过程中失去了几乎一切，唯有那只灵动但无法开口讲话的小狗始终伴其左右，只因他对说话那近乎病态的恐惧和不屑。

在乔治行将自杀时，砰的一声，观众都以为是开枪自杀的声音，却是佩妮的汽车撞到树上发出的声音，尽管乔治至死也不相信有声电影的魅力，但是正是这砰的一声，救下乔治的性命。

电影终究是美好单纯的，给了乔治人生中又一个腾飞的跳板，可现实中，又有多少对于无声形式坚持不渝的巨星因为难以企口而陨落。

而导演让乔治的声音留在了那声cut之外，也将这最后一块默片的“遮羞布”保留了下来，影片如果诞生在相应的时代，也应该会成为一部经典，更何况它诞生在如此浮躁的现在，堪称荡气回肠，不知要看过多少尘封的老电影才能把那些精华信手拈来？

是最精致的模仿，也是心有灵犀的超越。

任何影片都无法达到完美，难以讨好所有人，它更像落在胶片上的回忆，让人们能于光影间看到电影一路走来的点滴和曲折就已足够了。

那个时候应当是我特别爱钻电影院的时候，以至于现在回想起来，这部电影仍是目前为止在电影院看过次数最多的一部。

朋友对我当时的行为嗤之以鼻，觉得如此无聊的电影我居然可以一个星期之内去看了四次。

所以，我并没有告诉她，当影片拿了奥斯卡重返影院后，我又去看了第五次。

我和朋友都是那种喜欢看轻松影片的人，文艺片伦理片宗教片我更喜欢躺在家里看，安安静静自己一个人，想很多，停停看看。

所以在影院一般都是看动作和动画。

一个字的目标：爽。

然而这一部是个例外。

其实我并不否认朋友说的烂俗。

因为如果我把这部电影用“女粉丝恋慕男神，误打误撞成为大明星后拯救落魄男神，最终抱得帅哥归”这样一句话概括出来的时候，我自己都会相信这是一个彻头彻尾的三流娱乐圈文。

故事其实很圆满而且不乏逗乐的段子，梗概也真的如此简单。

爱情事业皆大欢喜，丑小鸭变成白天鹅还拯救了曾经高高在上的男神。

这样的结局换做谁都会开心一笑，一部满足平凡忙碌生活中遐想与憧憬的电影，无论它的故事多么的老套与荒诞观众都永远愿意买账，就像炎热的夏天，冰棍永远不过时一样。

但我想我从来没有把它看做一部爱情＆喜剧片。

就像如果有人对我说魂断蓝桥是爱情经典时，我一定会说：我以为那是一部反战片。

所以，这部电影不叫一颗美人痣引发的爱情，而叫艺术家。

所以魂断蓝桥终究只是魂断。

同样我也从来不认为它是一部喜剧，因为每一次看过，我都是挂着眼泪出影厅的，而我后边的大叔哭的比我还要凶。

虽然影片的海报格局看上去特别像我挚爱的乱世佳人，极富张力的表现着男女之间的情感与抗衡。

但是我依然认为，这只是男主人公一个人的故事。

而他的故事，曾经发生在我们每个人身上，或大或小，或已经过去或正在经历。

他在这个默然无声的故事中时而如风时而蹒跚的走过的每一步，就像是荧幕下面每个观众心灵的分身，带着过往带着记忆带着希冀，随着他趟过一遍人生。

走过希望，走过平稳，体味过幸福的麻木，也领略过不经意的芬芳。

遭遇着不可抗拒的时代，冲击着最后一点点的希望。

从最辉煌的巅峰，走向最绝望的深渊，在无法回头和面对的岁月里，或消亡，或重生。

100分钟过去，像是经历了一场入定状态下的旅程。

在喜剧而喧闹的场面中开始，随着男主人公的枪响结束，最后，在男女主真真实实传来的笑声中苏醒，归位。

于是这一刻，无论是依旧沉浸在里面的眼泪，还是被主人公感染了的笑声，至少，都应该庆幸这只是一部电影，它有一个俗套而完美的结局，让我们可以在旅程的最后得到回归的救赎。

毕竟，不是每一颗开向过去的子弹都能戏剧化的被女主留住。

也不是每一个人都可以有男主人公那样的幸运，重新来过。

整部影片中，没有声音的表情与动作，就像是男主人公拼尽全力想要证明和守护的过去。

愈是愤然愈是投入，却愈是在一片寂静中被赤裸裸的遗弃。

仿佛一种打不破的格局。

黑白的色调下，在无声到有声这样的时代变革中，男主人公一张张雪片般签出的支票，一次次赌博似的投入与演出，却像是飞蛾扑火。

当变革来临时，就仿佛是从黎明前的纯黑一瞬间跳到满是光明的世界，快速的不给任何人一点余地。

那些曾经在黑暗里骄傲着的火焰与希望，带给人快乐和温暖的火种，在耀眼的日光下被遗弃的如此惨烈，却无声无息。

Jean du Jardin精湛的演技尽情的在荧幕里释放着，灵魂在嘶吼，心脏疯狂的躁动，那看似就要破茧而出的挣扎与不甘，绝望与愤怒，碰撞着，涌动着。

然而，却只能被压抑在神情的淡然之下。

被残忍而无声的抚平在现实中。

诚然，不是每一个人都有勇气去彻底的毁灭过去，更不是每一个人都有勇气舍掉自己的辉煌。

于是，有多少人就把一口气堵在这份不甘上，输的一败涂地。

有人说，天才和疯子只是一步之遥；善与恶也不过一念之间。

而事实上，从来没有任何一个人可以在故事的最开始做出任何的定义。

坚持是一种精神，可倘若这精神偏差了那么一点点角度，就变成了足以毁灭自我的固执。

每一个或称赞或敬佩的人，每一个或惋惜或鄙夷的句子。

都只出现在尘埃落定的那一刻。

不到那一刻没有天才也没有疯子。

可是，却没有谁有那个勇气赌到最后。

所以，在现实的世界中，绝大多数的人，都选择了妥协与放弃。

因为，无论是天才还是疯子，都没有谁可以轻易承担起一场做给自己的献祭，极致的成败下，无论是成是败，都是一场毁灭。

影片中印象最深刻的，就是男主人公站在衣帽店橱窗外的那一段镜头。

反着光的橱窗玻璃，在镜头的艺术下折射着主人公的曾经与当下，强烈而滑稽的捉弄着他最后脆弱的心理，用最直接的方式把他按到现实面前。

主人公身边一张张虚无的开合着的嘴，鄙夷的，好奇的，劝说的，或者干脆不知道在做什么的，都仿佛成了命运嘲弄的笑声。

那短短的一段驻足，仿佛就是一生，主人公的精神世界在那一刻彻底的反转，仅存的坚持被彻底的摧垮。

而往往极端固执的疯狂与瞬间的崩溃彻底的放纵也不过只有一线之隔。

影片的节奏在这里达到了真正意义上的高潮。

主人公内心彻底的激化，在这无声的环境中，成为最尖利入耳的鸣响。

把观影者的情绪也推向了一个极致。

如果影片在这里戛然而止，那么这将是一个残次品。

如果主人公的精神走向了彻底的毁灭这就是一部压抑的文艺片，如果主人公原地满血复活这就是一部英雄主义片，如果有忽然的外星人降临替主人公完成故事这就是科幻片。

如果有一个女子感念曾经报恩而来完满了男主的结局，那么这就是一出田螺姑娘式的爱情喜剧。

于是，在文章开篇提过的烂俗桥段就快快乐乐的出现了，女主偷偷买下了男主曾经变卖的所有收藏，女主一直默默的守候男主等待他的恢复，女主用自己的地位要挟制片人和导演如果不同意男主和自己一起出节目就罢工等等等等。

终于，忙忙碌碌，皆大欢喜。

导演很聪明的在故事的外衣上绣满了一切可供观众瞬间缓解的治愈（做梦）元素。

这是一个关于救赎的故事。

一个曾经拥有太多自信与力量的人，留下了一点希望和充满斗志的火种，救了日后一无所有的自己。

朋友说，女主人公的存在简直就是为了配合男主命运节奏而全套定制的。

我想，她说的没错，因为无论是故事中的主人公，还是现实中的观众，其实最后真正救赎他们的都是那个或许曾经或许未来的自己。

而戏剧化的幸运从来都是一个好的结尾。

就像观众普遍都喜欢大团圆一样，哪怕这中间有多少的逻辑漏洞，对于开心的观众而言都是无所谓的。

同样，从开始到结束这其中的万般苦与痛，挣与扎，都将在结局的欢天喜地中被彻底的忘却。

这，是好事。

===================================================此外，很想谈谈关于这部影片的表现方式。

影片中男主人公在无声的状态下，利用表情表演，肢体动作将他的内心展现的淋漓尽致，观众跟随着他，清晰的感受着他内心深处每一个脉络的律动。

然而倘若这一切，激动的，狂喜的，快乐的，悲伤的，绝望的，一切跳动着的情绪变成声音从荧幕中溢出，那么这一切的叙述就成了一个最普通的故事。

这部影片，恰恰是用无声的效果，让那些原本外化的演绎转变成了一种内心情绪的传递。

可以说，默片的形式，从一开始就为观众营造了一个足够的外界大环境，在演员与观众之间搭了一座桥，用默然的方式传递着主人公的心声，引起观众的心底共鸣。

不是在看一场表演，不是在看一个故事，而是被带入，被牵引到与主人公一起，仿佛进入了他的世界。

他有无数的情绪起伏，人生感慨，他不曾说出，而是就这样掩盖在荧幕里，赤裸裸却静悄悄的向观众表达着。

你甚至可以感觉到他的声音在你心中响起，仿佛那从来就是自己的心声。

这种独特的，营造受众环境的方式，想来也是这部影片取得巨大成功的一个重要因素。

艺术家开始放，黑白，无声，1924，以为下错了片子，百度后看到“黑白默片”四个字非常想放弃。

硬撑着完整看完，无力吐槽。

但是第二天，当我在放映着战马的影厅醒来时，毅然站在了奥斯卡评委那边。

艺术家真是部好片子！

你看，六七十年间，你能找出第二部黑白默片么？

没有吧，这是对黑白默片多么崇高的致敬！

艺术家真是部好片子！

你看，从1895年卢米埃尔兄弟放映人类历史上第一部电影（这句话已经在各种论文里写了很多次…）至今，有谁关心过电影的历史，有谁用电影拍过电影？

没有吧，这是对历史多么严肃的尊敬！

艺术家真是部好片子！

你看，George遭受到有声电影的打击时，原本无声的影片本身也有了声音，瓶子翻到的声音，电话铃声，椅子倒地的声音，就是没有George大喊的声音。

而到了影片末尾，George在经历重重悲惨后以踢踏舞演员的身份重返银幕，观众，我是指艺术家的观众，终于听到了他的声音。

这是对“情景交融”手法多么活灵活现的运用！

艺术家真是部好片子！

你看，Peppy从路人一夜爆红，成为默片到有声转型期的大明星，这是多么典型的时势造英雄的励志故事！

艺术家真是部好片子！

你看，George与Peppy巧妙相识，互生好感，但碍于一个有妻一个卑微未能发展，后来George没落到家徒四壁，而Peppy爆红，买下了George的所有家产包括司机，被George知道不堪屈辱决定自杀，又被Peppy救下，俩人最终妇唱夫随大圆满。

这是多么跌宕起伏蔑视等级追求自由不平等的爱情故事！

艺术家真是部好片子啊好片子……

简直棒呆!好感还是基本得益于男主的表演。

原本沉浸在一位没落艺术家的骄傲与格格不入中，我仿佛看到许多艺术家在绝望中挣扎并消逝。

谁知峰回路转，柳暗花明，结尾竟然又以"蹦擦擦"结束了。

法国人那刻进骨子里的浪漫像一把小锤，总能"砰"一下敲碎我冰封的世界。

它一次次出击，我一次次中招，乐此不疲。

今天看完the Artist，深深被震撼了，甚至这学期的final project我也想用4：3的ratio降格拍一个黑白默片，不是为了追随所谓的复古潮流，而是今天我才发现原来默片才是更接近电影本质的形式，今天我才理解为什么当初有声电影出现的时候，那么多老一辈的电影艺术家站出来反对，包括卓别林在内。

去看the Artist之前，看过的同学“告诫”我这部电影必须要在精神很好的时候才能去看，否则铁定睡着，因为它是一部默片，而且是黑白的，而且而且是4：3的！

事实是，尽管我很困（昨晚只睡了4个小时），但我还是非常精神地把电影看完了，而且很享受这个过程。

我现在就可以断言the Artist绝对是我本年度最爱的电影前三名！

the Artist在画面上完全模仿上世纪20年代默片的拍摄手法。

默片不仅仅是无声、黑白，还有一个显著的特征就是过去的黑白片是18fps，即每秒18格。

现在的电影都是24fps,这两者的区别在于前者由于每秒钟记录下的动作画面比较少，因此连续播放时肉眼可以察觉到明显的动作不连贯。

我个人认为，正因为过去的电影都是以18fps的格式拍的，因此演员的动作总是给人一种滑稽的感觉，所以默片更适合表现喜剧。

the Artist就是一个爱情轻喜剧，其实故事特别简单，也有些滥俗。

但是，它非常成功的地方在于演员的表演简直可以用“出神入化”来形容。

试想一下，一部没有声音的电影，剧情完全靠演员的肢体动作和眼神表达，真的很少有演员可以做到。

所以，我觉得默片时代才是出巨星的时代。

the Artist虽说是默片，但它也不是完全没有声音。

影片中有两处加入了声音，而这两处简直就是神来之笔，没有这两处细节处理，这部电影也不会如此备受推崇。

第一处是录音技术刚刚被运用到电影中时，Jean Dujardin饰演的默片时代大明星George认为这是可笑的，他坚决反对。

但是，当他回到化妆间，他放下一个杯子，突然意识到这个动作本身是有声音的，进而他意识到他所生活的这个世界所有的一切都是有声音的。

第二处是影片的结尾处George终于放下对有声电影的成见接受Miller的帮助，和她一起出演有声电影。

在两人的一段精彩绝伦的踢踏舞表演之后，producer高喊一句“perfect”。

歌舞片时代就此来临了。

这部电影的ending是固执己见的默片巨星最后终于接受了电影的新形式，还开创了新的电影类型，而这部电影比较吊詭的一点在于是它让我认识到什么是最纯粹的电影。

当然我不是说技术的发展破坏了电影的本性，我承认没有技术作为支撑那些天马行空的想法根本就不可能变成展现在观众眼前的真实，只是我不得不感叹随着技术的发展观众变得只满足于感官刺激而不再关注电影的艺术性，比如说现在的3D潮流，往往在电影院里面观众看得很过瘾，走出电影院却记不起故事情节，更不要提被电影打动了。

或许我本质上还是很traditional的吧，我推崇的也大都是学院派导演，在电影学院学的也是最classical的film technic.课上时常都有同学去挑战那些classical的电影理论，和老师争执不下。

我却觉得，无论那些理论你认同与否，或者在今天看来根本就已经old-fashioned，但是对于一个导演而言打破传统的前提首先是你要懂得这些理论，否则永远都只能是一个业余导演。

10/10 第84届奥斯卡最佳影片+最佳导演+最佳男主角 当电影褪去了华丽的色彩，优美的声音之后会变成什么样？

答：别有幽愁暗恨生，此时无声胜有声。

一封写给电影的情书，导演带着观众穿越回了那个默片时代，而观众也穿越到了那个曾经的童贞的电影迷，电影里外的一切都会到了最初的美好～这才是真正的艺术家，是有操守，有追求，有艺术性的，尤其在从默片时代到有声时代急剧变化之中，依旧保有对艺术的信仰，这正是不忘初心，正如当年的卓别林一般，但艺术自身也是会不断发展的，不忘初心方得浴火涅槃，最后成为真正的Artist。

感谢这个时代还能有如此伟大的默片演员，还能还我一个最初的电影梦，不枉我在观影中途多次落泪，这样的感觉太好了。

配乐也是神了，通过音乐表达文字的典范，小狗也是拼了。

时代的交替，不可逆转的变更。

由沉默到欢脱， 一切都塑造得如此完美，完美再现了好莱坞古典主义时期的电影叙事手法，对当年的那些来到好莱坞发展的欧洲导演， 对好莱坞经典叙事，对黑白“无声”电影，几乎都是一次的完美的致敬！

坐在电影里仿佛自己完成了一次时空穿越，I love it

很久没有看到这么打动我心的电影了。

剧情也许不是那么新颖，场景也不够绚烂。

靠的就是人物的表演功底。

那少的可怜的几句台词，却能真真正正打动观众。

感情从刚开始就有了吧。

才会有那么多的NG 。

可是一个时代的更迭，一个演艺圈的浪潮，不跟上前进的步伐，我们真的会走投无路我们都知道George是一个艺术家。

我们理解George想要用他全部的感情投入去演绎一段故事，一部电影，一种人生。

可是时代的发展速度超越艺术家前进的脚步。

他无法理解，无法抛弃自己艺术家的自尊心。

语言岂能压过行为？

可是，peppy 那个之前的小演员却走得如此红火。

那个美人痣和自己的爱之泪在同一时间上映。

这是想要怎样鲜明的对比。

他没有想到吧，peppy在他爱之泪上流的眼泪真的是对他作品的肯定，可是看到那样少的票房，他是不是也开始怀疑自己的作品？

自己倾注全部心血与投资的电影就这样被有声电影打败了。。。

出了影院站在peppy的大幅海报前，看排队买票的人脸上期待的神情，他那一刻会有怎样的心情呢？

股市一蹶不振，破产后妻子的果断抛弃，让他的人生跌入低谷。

一次次当掉自己的物品，靠拍卖自己的物品度日。

那段艰辛的日子有谁知道他的心情？

可是，peppy知道，peppy一直在默默关注他，招聘了他解雇的司机，买了他所有的拍卖品，看到他住院的消息，她紧张的神情，她急促的步伐，她站在他面前听到他脱离危险松了一口气的样子，看到他仅留的一部胶片是他们第一次拍的那部电影时她开心的表情，她说他能到我家休息吗？

那样温和的神情，医生都知道她爱他。

终于他能在她家，她能光明正大的照顾他，爱他。

为了能让他崛起，她向电影公司威胁的神态，太可爱了。

要他还是要我？

不是，他和我必须在一起，不然一个也没有！

哎！

我是在威胁你！

看着电影制片人苦笑不得的表情我就笑了，他也没想到这个小家伙这么坚持，这么勇敢。

最终权衡利弊下，只能苦着脸答应了。

欣喜的飞快跑出去想要送剧本给george，回头那个飞吻，对于大家的感谢，大家真是万般无奈啊。

^_^骄傲的艺术家还是不能理解佩蒂的行为，骄傲的男人是不会心安理得接受女人的救助。

他无法原谅自己的失败与淘汰。

他想到自杀，以为这样可以结束一切。

然而他还是拍的，真是那一刻的犹豫救了他。

peppy追过来，急切的不顾一切的想要他活着想见到他“bang”的那一声吓到我了，我没想到故事会真的这样结束，也没想到故事是这样转折，哈哈，她一头撞到树上让车停下。

“我感觉很糟糕，我只是想帮助你，照顾你，，，没想到会这样，对不起，对不起，，，”“没有，没事。。。

”“只要你肯让我帮助你，geroge valentin”“这不可能，peppy我已经落伍了，没人想听我说话”“正是这件事，我们可以试试看，相信我！

”两个人的重新组合绝对是一种完美，完美的踢踏舞，完美得无懈可击！

连最不看好的制片人都要拍手叫绝。

O(∩_∩)O哈！

这般美好的结局，他让自己走出过去的阴影，迎向一个新的时代。

可能只有近距离接触过死的人才能想明白一些事，才能放开自己的自尊，只会想要自己的爱的人。

最后，不得不提一下那只不离不弃的狗狗。

这只狗救了他，这只狗才是他最忠实的朋友。

我们爱一切值得爱的生物。

这阵子不少香港电影人在批评金像奖，因为它把几大重要奖项都给了平实无炫技的《桃姐》，而不是在电影语言上更多突破和创新的《夺命金》。

可在此之前，另一个金像奖——奥斯卡金像奖也无视《雨果》等电影3D技术的炫目，把几大重要奖项给了一部黑白默片：《艺术家》。

《艺术家》的故事设定在默片即将衰败的年代，男主角乔治·瓦伦丁原本是当红明星，可有声片时代一来临，他就被淘汰了。

观众都纷纷去看会说话的电影，而他自己花巨资投拍的默片无人问津，一代巨星终至破产下场。

而另一边，他的一个女粉丝佩琵·米勒却从群众演员做起，借着有声电影时代的来临日益走红，成为当红巨星。

每一个时代的更迭，总有人被淹没，也总有人崛起。

电影中令人兴味的镜头是，当初佩琵刚进入电影公司，如日中天的乔治跟她说：“做明星要有一点与众不同。

”于是给她唇边点了一颗痣。

后来佩琵的第一部有声片就叫《美人痣》，名扬天下。

而佩琵走红时接受记者采访，手舞足蹈说：“老家伙本来就应该给新人让道。

”她没有想到乔治正坐在她身后，起身，朝她一个欠身：“我给你让道了。

”因为是默片，因此仅有的几句台词特别有味道。

除此之外还有乔治老婆对他说：“我很不快乐！

”乔治：“世人都不快乐。

”其实这是一部粉丝拯救偶像的电影，乔治破产后，又与妻子离婚，搬离豪宅，烧毁自己的胶片，家具悉数变卖，赶走仆人……最后几欲自杀。

是佩琵帮助了他，收留了他的仆人为自己工作，将他的家具都买下来，他受伤时照顾他，并为他和电影公司老板据理力争……估计很多女粉丝看了这部电影都免不了胡思乱想，要是也有机会这样接近自己的男偶像就好了，拥有他的一切，最终还与他产生了爱情。

就像男粉丝看了《我与梦露的一周》之后大概也都免不了要心驰神往一番一样。

两部电影都讲粉丝与偶像，但结局却不同。

男明星在事业低谷时崩溃，而女明星则在事业巅峰时不安。

男明星渴望的是事业的翻身，而女明星渴望的是感情的慰藉。

后来，女粉丝利用自己的努力让男明星重返银幕，两人最终在一起，皆大欢喜。

而男粉丝安慰了女明星后，女明星继续追求自己虚荣的人生，事业更上一层楼，但，梦露在情路上一直失败。

事业总有出头日，感情没有，感情永远令人惴惴不安。

怪不得女追男隔层纱，男追女隔层山。

不相信，看看那个时代同样被默片抛掷的女明星的下场：电影《日落大道》中的诺玛过气了，守在自己的豪宅中度日如年，剧作家伊利斯一不小心闯入她的生活，享受她爱情的赠与：西装、名表、别墅、甚至残存的一点点名气或者说别人的怜悯便利……但是却不要她的爱情。

和《我与梦露的一周》中的男主角相反，伊利斯爱上了比诺玛年轻的电影厂工作人员。

是的，男人最终还是选择了年轻的姑娘。

所以梦露是对的，她30岁了，比男粉丝科林·克拉克大7岁，现在她不抛弃他，将来……等她盛名不在，和那个服装部的小姑娘又有什么不同？

花褪残红，甚至还不如。

所以伊利斯的出现并没有能够拯救诺玛，相反，加速了诺玛的坠落。

她杀了他，然后……忠告：男粉丝不要接近已过气的女偶像，女粉丝却要把握住男偶像的事业低谷。

好久没看到这么赏心悦目、别出心裁的电影了。

完美的复古，亦是伟大的创新。

在一片赞誉声中，奥斯卡和金球奖最佳影片实至名归。

纯黑白、几乎无声、1.33:1的屏幕比、22fps的帧率，这样的配置在充斥着3D高清的今天简直不可想象。

但作为电影鼻祖的法国人，正是用如此独特的方式向上世纪二十年代的默片时代表达了敬意。

影片的主人公本身就是一位好莱坞的默片艺术家，当电影业从无声到有声过渡时，他一度拒绝接受、迷失沉沦、自暴自弃；幸得粉丝兼红颜知己兼后起之秀的帮助和鼓励，他终于走出阴霾，重归银幕。

影片怀旧而不守旧，既缅怀了那个“银幕年代”的风情万种，又肯定了电影技术不断发展的贡献和革新。

艺术的形式在变、要变，但艺术的内涵不会变，艺术家对艺术的追求不会变。

在表现有声是无声的大势所趋时，导演数次使用间幕来双关，比如开篇戏中戏逼供时的“I won't talk! I won't say a word.”，妻子质问丈夫“We have to talk. Why do you refuse to talk?”，说小狗“If only he could talk.”等。

还有男主角的两次得救，一次小狗呼救，一次汽车撞墙，恰都是靠声音。

更妙的是本片两个有声场景的运用，一个在男主角的梦中他变哑巴而周围发声，一个在影片结尾剧组的一系列声响及男主角的唯一台词（“With pleasure”），都充满隐喻。

有新颖的形式、有讨巧的模仿、有小狗的搞笑、有邂逅的浪漫、有从火中救出胶卷的感人。

很难想像一套恶搞007系列的阵容（导演+男女主角），竟拍出了如此佳作。

本片在第84届奥斯卡上大放异彩，包揽最佳影片、最佳导演和最佳男主角三大奖项，成为首部获此殊荣的法国电影，也是继第一届的《翼》后首次获奥斯卡的默片。

而此前，男主角Jean Dujardin还加冕了戛纳和金球奖的影帝，女主角Bérénice Bejo（也是导演Michel Hazanavicius的老婆）则提名了奥斯卡和金球奖双料最佳女配角。

1927年，好莱坞的当红默片巨星George Valentin，才华洋溢，无人不识，偶然机会下邂逅了小影迷Peppy Miller。

Peppy热爱表演，立志要在演艺圈干一番事业，可是苦无机会，直到因缘际会下获得George的提携，终由寂寂无名的小配角摇身一变成为万人新偶像。

时移世易，随着有声电影的崛起，默片逐渐被淘汰、遗忘，George纵然坚守信念，仍不敌无情的时代巨轮和喜欢追求新鲜感的观众。

后来更适逢经济大萧条，George和Peppy的身份地位大逆转，饱受挫折的George变得一蹶不振，不断自暴自弃甚至自杀，最终在peppy的帮助下返回荧幕，成为有声演员。

2012年第84届奥斯卡，《艺术家》一举拿下最佳影片、最佳导演、最佳乔治、最佳服装设计、最佳配乐五个奖项，无疑是最大的赢家。

面对这一壮举，无外乎两种声音，一种是质疑，竟然有奖项颁发给《艺术家》。

另一种是惋惜，为什么没有把所有奖项都一股脑给《艺术家》。

之所以会有这两种截然不同的声音，就是源于《艺术家》真假参半的默片身份，以及谄媚或致敬含混不清的态度，还有人们对于这部电影艺术价值认识的分歧。

发问——《艺术家》是不是默片？

什么是默片？

默片的定义，是“只有画面，影片本身不发出声音，剧中人物的对白通过动作、姿态以及插入字幕间接表达。

”那么按照这个标准，《艺术家》影片从头至尾几乎都没有一句对白，甚至在人物激烈争吵时，仍然幼稚地使用字幕一句句“耐心”地呈现（这样的争吵完全可以被一些对白大师塑造成一个经典场景）。

而在影片的结尾，即那段全剧最精彩的致敬罗杰斯与阿斯泰尔的双人舞结束，全片的哑巴又张嘴说话——“太精彩了！

能再来一个吗？

”“我的荣幸”如果标准再严厉一些，以默片时代的默片特征，以什么默片的特征为标准呢？

是上古时期《一个国家的诞生》这样的老古董，还是史上最棒的默片文艺片《日出》，还是卓别林配乐准确灵活，表演收放自如的《城市之光》，亦或纯粹的试验品《火车进站》？

那么《艺术家》的艺术家们就要手忙脚乱了。

别开玩笑了。

电影进步到今天，不仅仅是黑白变成了彩色迷彩色变成3D，镜头的运动、演员的表演都有着长足的进步。

比如正反打，上述片子几乎见不到，而这部片子就有很多正反打。

默片时代的表演往往从舞台剧吸收营养，都像在大舞台上一样竭尽夸张之能事，而这部电影不乏细腻之处，比如女主角对镜看着乔治留给自己的美人痣自怜。

不说了，再说专业了你也听不懂，我也说不出。

总之我觉得，黑白是毋庸置疑的，而是否默片，我不以为然，我倒觉得恰恰任何有声电影都能有声，而这部片子不但能有声还能无声，而且确实做到了要有声就有声，要无声就无声，甚至主角梦见大家都能说话而自己却哑巴了，羽毛掉地都是一声巨响时，我觉得它的声音的运用就到了极致。

发问——黑白+默片=谄媚or致敬？

同样是表现默片与有声电影交接时代的电影《雨中曲》，不但载歌载舞，还色彩缤纷，质疑声也小很多。

我们可以用彩色屏幕来表现黑白电影，却无法用黑白胶片展现色彩斑斓，可以用有声录影带表现无声场景，却无法用单纯的图像演绎歌舞升平。

可以用摄像机对准一幅画，却无法用照相机展现一部电影。

彩色有声的歌舞片《雨中曲》可以表现有声，亦可表现无声，《艺术家》的做法看上去无疑是一场倒退，如果把电影艺术的发展本身比喻为一部电影，那么《雨中曲》就是这部电影里一段有声有色的花絮，而《艺术家》只是一张剧照，还是黑白的。

相比《雨中曲》的辛辣，《艺术家》还是给好莱坞留足了面子的。

《雨中曲》里人们勾心斗角，才能平庸心狭量窄的花瓶尸位素餐，一心要当主演，挤兑小演员。

《艺术家》中的人似乎一直是生活在君子国，整部影片甚至难以找到一个坏人，唯一的“坏人”只能是不愿多付钱的当铺老板。

这样的设定最大的好处莫过于将剧情变简单并突出了重点，毕竟默片也只能驾驭简单夸张的剧情。

而类似的怀旧也不乏有人效法，其中最著名的莫过于昆汀塔伦蒂诺和罗伯特罗德格里兹缅怀B级烂片的“磨坊电影”——《恐怖星球》、《金刚不坏》。

他们不但在拍摄手法、运镜上竭力模仿，更复制了B级片粗暴直接的血腥、暴力、恐怖的感官刺激，甚至还把好好的胶片弄旧，甚至故意模仿以前小剧院胶片失火缺失的情况。

这种片子无疑大有市场，也无疑是烂片。

作为缅怀默片时代的《艺术家》呢？

很明显它不会这样做，应为他是要冲击奥斯卡的。

它所能做的就是黑白，打字卡，仅此而已。

因为默片时代的电影是一件无奈之举，那个年代没有优秀的技术，画面都不清晰，没有充足的预算，连多机位拍摄都做不到，甚至连字幕都是晃动着的，《日出》里为了追求音效，面对贫乏的技术大胆突破，用乐器的声音模拟火车，模拟呼喊，堪称穷困中的神来之笔，而现在谁又会这么做呢？

尽管那个年代值得纪念，但终究再也回不去。

彻头彻尾的模仿就是谄媚，它只想致敬，他是默片，却不止是默片。

发问——除了看上去的哗众取宠，消费复古与怀旧，《艺术家》有没有艺术价值？

就像静止的画面具有动态画面不具有的静谧隽永一样，默片的言简意赅回味无穷，黑白独特的质感也是现代商业片不具备的。

《辛德勒的名单》曾尝试过用黑白表现沉重的人性主题，并且大获成功，但没有人觉得这是可以复制的成功，更别说直接模仿默片了，除了表演大师卓别林，没有人再会在有技术支持的前提下不让演员说话。

而《艺术家》却在没有声音的前提下，做好了声音以外的一切，在没有色彩的前提下，做好了除了色彩的一切。

故事的情节并不难，可以概括为高富帅巧遇女屌丝，女屌丝逆袭为白富美，白富美再牵手落魄高富帅。

确实，连台词都没有的片子是不能太复杂的。

影片中，George初次见到Peppy，是因为peppy误入george的采访中。

第二次，也就是peppy入行之后二人第一次见面。

在一块抬起的板子之后，透过板子下方看到舞蹈着的peppy的双腿，但没有看到脸部。

生性风流的george便随着她跳舞。

巧妙地借用这个道具，使得可见其腿不见其人，就这样在误会中不断推进二者的关系。

分隔了画面，堪称场面调度的生花妙笔。

类似的调度的妙笔还有很多，如george喝醉之后看着吧台上自己在影片自己的角色小人冲自己挑衅，就说明george心底已经在自暴自弃。

影片里，george梦中发现身边的一切都有了声音，而唯独自己无法说话，最终羽毛落地成雷霆声，方从梦中惊醒。

影片里，george准备举枪自杀，peggy开车欲阻止，一段渐快的平行剪辑后，字卡上赫然一个“BANG！

“，随后看到，那是peggy的车撞了，不是george开枪。

我见过各种蒙太奇，声画的蒙太奇也见过，但是字幕蒙太奇还是第一次见到。

当声音想有就有想没就没，当字幕都能和画面构成蒙太奇，我还有什么好说的呢。

演员的表演亦是在默片的前提下被无限放大了，索性不但男主角女主角表演出色甚至喜欢皱眉的老板也表演得很出色。

而小狗乌吉的表演更堪称惊艳。

如果说有什么不足，莫过于被影片勾起了怀旧情怀的人们，争相拿这部片子和诸多伟大默片伟大默片演员相提并论，来凸显着片子的谄媚和自己的渊博。

尤其是杜雅尔丹扮演的george，更是被许多看过罗杰斯与阿斯泰尔舞蹈的人骂笨拙。

的确与舞技出神入化的阿斯泰尔相比，模仿他的杜雅尔丹显得滞重有余轻灵不足，我以为这些以传统自居的家伙，和嘲笑错误百出的录音设备的george一样，抱着传统不放，看不到未来。

这部片子表达了对那个年代深深的怀恋，希望我们记住这一切，目的则是为电影的发展历程拍一张剧照，可以立此存照，看着远方告诉我们——“乔治，这就是未来。

”