不要再见啊，鱼花塘

我感觉，我跟导演有一种共鸣：意识流+元叙事的巧妙结合！

故事是讲：导演在2022年在对着她奶奶拍电影。

而电影故事发生在2013年，就是她爷爷去世那一年，而当中穿插了大量闪回。

时间被模糊了，来回从电影中的2013年与现实中的2022年交叉。

奶奶说的话，已经分不清是戏里还是戏外。

影片一开始女主叶子在医院进行检查，而帮她检查的医生是怀孕了的。

从后面的叙事上得知，那个医生就是她奶奶年前的时候，而她走过鱼花塘的桥时，会有个中年男人站起身看她，那个男人就是年前时候的爷爷。

奶奶在算命时得知她的女儿（也就是女主的妈妈）会离婚，奶奶和爷爷要抚养ta们的孙子。

而这个信息，在奶奶一次跟女主叶子说她做的梦时提及了（在发生在2022年的现实）电影一开始采用大量的固定镜头，拍的很沉闷。

但是在这期间，出现了很神奇的光影的变化。

这预示着进入了女主的梦境（或者说是女主的意识流）当光影很非常理变化时，女主叶子见到了她小时候，奶奶给她讲故事的人物（离家出走的女生，熊孩、还有很多小妖怪）我觉得这部电影不需要苛求去理解导演的叙事逻辑。

因为这部电影就是导演自身的意识、梦境、幻想和情感的展现。

而导演就是通过这种反叙事逻辑的方式去表达她的情感。

重要地不是去用理性分析叙事，而是感受导演传达的情感（每当女主叶子见到那些故事里的小人唱歌时，我都眼眶湿润了）

本文原发于澎湃，为《女导演的夏天》第二部分。

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女导演的夏天　天下电影　抢救记忆　四比三的年代《不要再见啊，鱼花塘》是牛小雨前作《鱼花塘》（2013）和《青少年抑制》（2018）的继续和发展。

作为一部实验性较强的作品，导演对自己的主题倒是毫不卖关子，人物之间对死亡和失忆的探讨，一开始就把观众引上了解读影片的“正途”。

这回没人能再用“艺术电影/实验电影看不懂”这样拙劣的借口了。

影片是主角叶子与奶奶生活中的一系列片段，其间穿插着漫画、歌舞和其他风格化而超现实的场景，都来自想象：奶奶讲的市井传说，或是叶子小时候因孤独而幻想出来的事物。

当然，后者往往以前者为基础。

这一切又以一个人物线索和一个地点线索串联起来：过世的爷爷和神秘的鱼花塘。

爷爷灵魂永生又挂念家人所以会“回来”，鱼花塘中有各种精怪，这都是汉文化和当地文化中对生死和世界的理解与演绎。

让人不禁想起 2010 年金棕榈得主阿彼察邦对泰国本土传说的发掘。

说来也巧，《不要再见啊，鱼花塘》节奏缓慢，但故事完整，可看性极强，甚至还设有悬念，这些也跟阿彼察邦很像。

与唐艺一样，牛小雨作品的底色也是一种自我表达，是她的人生经验和对周围事物的观察。

这里面的第一层就是家人、亲人、邻人，这些中国人生命中至关重要的人际关系。

甚至在选角上，不但用的是素人演员，还根本就是导演的家人朋友。

其中奶奶的扮演者是牛小雨本人的外婆。

片中有一段奶奶作为演员与导演的对话，她在拍摄中对自己的时间感产生了怀疑，跟片中不知今夕何夕的人物相呼应。

这一段嵌入得恰到好处，让我们看到演员与人物之间虽有不同但没有彻底的割裂，而是一种连续性关系。

这也是作者的一种宣言，影片始终没有打破与观众的第四堵墙，但却消弭了创作与生活、虚构与真实之间的界限，让我们对摄影机的存在和主体性异常警觉。

这样一来，叶子才能顺理成章地重新见到爷爷，才能面对日渐失忆的奶奶。

牛小雨才能留住一个家庭即将逝去的记忆。

人的线索之外，鱼花塘这一地点也承载着厚重的回忆。

《青少年抑制》去西宁的时候，“导筒”就此曾问过牛小雨，她回答说：“鱼花塘是我从小到大上学的必经之路，合肥这整个城市的都市传说有一大半都集中发生在鱼花塘。

小时候觉得鱼花塘的树林和水里藏着无名尸、妖怪、鬼和全世界在逃的‘罪犯’，附近所有学校的风云男孩女孩也都会去鱼花塘谈恋爱，躲在树林里亲热。

鱼花塘是我童年全部想象的集合，是我的《双峰》。

”鱼花塘连接了作者的个人记忆与当地的集体记忆，二者相辅相成：她从集体记忆中汲取灵感，进而又用自己的才华记录、保存、传播了它，集体记忆通过她的作品超越了当地人的口口相传，进入了更为广阔、持久的人类记忆共同体。

片中对安徽方言的使用，有其实际考虑，比如素人演员特别是上了年纪的，可能在自己惯用的语言中能更加自如。

但其效果惊人地好，在描摹普世人类情感的时候，找到了“个人”与“世界”之间的中转点——“故乡”。

影片的地方特色让它的故事、情感都更加令人信服，它让每个人想起自己的故乡和童年，从而感同身受。

《不要再见啊，鱼花塘》还是一个关于童年的故事，或者说是关于同年回忆的故事，并巧妙地处理了一些家庭关系。

叶子是（外）祖父母养大的，这跟很多八零后、九零后的孩子一样（之后的一代人中这种情况主要集中在农村“留守儿童”身上，像合肥这样的城市里就比较少见了）。

有时候，特别是长大以后，他们会分不清、想不起某件事是跟父母做的，还是跟（外）祖父母。

影片后段，叶子在大夏天穿上一件有特殊意义的毛衣，所有被隔代抚养的小孩都会会心一笑，想起每个被捂得直冒汗的春秋。

这种个人化的经历带着一个时代的印记，代表了一个具有时代特征的群体的共同体验。

牛小雨敏感地捕捉到了这种体验，为我们留下了这种记忆。

记得小学时老师常说，祖辈带大的孩子分两种，一种被宠坏了没教养，一种内向孤僻不合群。

这种说法当然很极端，但都市中与奶奶爷爷外婆外公相依为命的孩子总是有些孤独，因为老人的精力有限，也不太愿意放孩子出去。

于是自己玩成了家常便饭。

而“自己玩”除了可能让人孤僻外，还会激发小孩无限的想象力。

毕竟要在有限的空间里愉悦自己，就需要“脑补”一切自己渴望而不可得的，比如假装自己的卧室是个神秘处所，比如在大脑中为自己杜撰几个朋友。

《不要再见啊，鱼花塘》里有好几处关于童年与想象的场景，让人看得鼻子一酸。

不是伤心也没有悲情，就是自己的想象及其产生的背景在大银幕上被赋予了一种存在的合理性。

因为牛小雨的作品，那个时代虽已随风而逝，却并非不留痕迹。

作家蒋韵说自己“每写完一个东西，总有一种抢救出什么的感觉：从自己的记忆中，从日渐老去的生命中。

像是和生命赛跑。

”牛小雨所进行的，正是这样一种无形的抗争。

她要用电影这种时间的游戏，把时间所带走的和即将带走的一切记录下来，把记忆与想象具像化，让逝者永生，让所信成为一种存在。

导演前作：

鱼花塘 (2013)暂无评分2013 / 中国大陆 / 短片 / 牛小雨 / 叶子 郑圣芝

青少年抑制 (2018)5.42018 / 中国大陆 / 剧情 短片 / 牛小雨 / 叶子 郑圣芝

🎬《不要再见啊，鱼花塘》导演交流放映看完电影后我脑子里一直有两种想法的冲撞，当然，这无关视听语言、拍摄剪辑手法等等专业的电影赏析角度。

一、这是一部导演非常私人化的电影，非常注重自己内心的表达。

我非常非常喜欢影片大量的光影表达（树干、树枝🌿、窗子、窗帘映射在白墙上的光影)还有风，一阵一阵的不明缘由的风。

会让我想起和奶奶住的老屋房后小杨树的树叶被风吹拂的沙沙声音……还有老歌，《渔家女》《请你留下来》，总能让我想起奶奶哼着老歌带着花镜缝被子的飞雪的冬天…….还有环境音，如果你经常在午后睡觉，就会深有同感，总是觉得那时候自己的听觉异常灵敏，总能让我想到童年时扇着扇子赶着蚊子昏昏欲睡的夏天午后，仿佛能听见一里地以外的汽车鸣笛声。

还有电影里钟的声音，会让我想起童年时家里整点会报时的那种每一秒都掷地有声的钟。

还有也许每个奶奶都会讲的鬼怪蛇身故事…….总之，青年导演这种由对爷爷奶奶的爱而引发的记录，这件事情本身就值得尊重。

就像《秋园》的作者写她的母亲，如果她不记录，这样普通人的一生就会消失在历史的尘埃之中，永远不会被记得。

二、就该说说我个人不太喜欢的地方了哈哈去看之前，我简单看了下简介，是带着中国版《寻梦环游记》的小小期待去看的。

结果就是，它不是。

导演说，“祈盼鱼花塘能点亮更多的角落。

”就个人观察到的而言，有点难。

电影开场，是几百人满座，电影结束交流之前开始陆续不断的退场，说明共鸣的内核理念有，但看完后剩下的不多。

整部影片有一些地方感觉有毕赣的影子，就像大叶子看到已经过世的爷爷、黑鱼、马戏团的黑熊等这些超现实画面，有点像《路边野餐》那个长镜头里，陈升经过了过去和未来。

但我认为两者的区别是，情感的浓度表达不同，在《路边野餐》里，我能看到老医生和年轻时的爱人、陈升和妻子的爱情，能看到亲情，有很多情节推动，串起被打碎的时空，可以拼接出一个完整的让人感动的故事。

而鱼花塘，过于自我意识的表达，进入情节的缓慢（不出意外，你前二十分钟是看不懂讲啥的，感觉像是一个个散镜头的拼接）对于细节的情感浓度把握，还有就算是艺术电影也需要的故事、情节推动，这些方面我个人觉得都有不完美。

当然，这片鱼花塘就算能点亮一个角落也是有意义的。

这一点不可否认。

1月7号看了导演场的鱼花塘，观影体验挺好，电影结束后还有四十分钟与导演交流的机会，但我太社恐了，即便被不停怂恿仍固若金汤，哈哈，还是来豆瓣夸夸。

《鱼花塘》是个很私密的电影，大概就如同导演说的，影子是爷爷，光是爷爷，奶奶是奶奶，叶子是叶子，就连房子，也是真的房子。

这是她梦的切片，以她的个人想法为中心发散出来的，是她的过去与将来，是无法以上帝视角指指点点的故事。

对于观众来说同样是私密的，我可以透过导演的童年看到自己，电影里出现的每一个镜子，能反射出影子的玻璃门，大概都是提醒我们，不如想想自己。

于是我看到了男生女生向前冲，看到了超级变变变。

与电影中安静炎热的夏天一样，我们怀抱着黏腻的空气，穿着松松垮垮的衣服，坐在客厅吃着干脆面，看着电视机里的节目，爷爷奶奶拿着巨大的蒲扇，一下一下扇动着，这画面刻在我记忆里从没改变。

我们每个人童年时代都有一个鱼花塘，或许是经常途径的公园小区，或许只是一棵树，我们在下面乘凉了许多年，虽说我们是对着鱼花塘说着不要再见，但割舍不下的是自己。

不要再见啊，搬家后走丢的小白狗；不要再见啊，小铁锅里煮的卤蚕豆；不要再见啊，微风刮过的小院儿；不要再见啊，我的爷爷奶奶；不要再见啊，我始终割舍不下的少年时代。

《鱼花塘》的故事节奏很有意思，像个回合制的游戏，太阳落山了，就进入了梦的世界，太阳升起来，才是真正放不下的世界。

叶子是平静的叶子，但只有入夜时分我们才能窥见她内心的不舍，是在太喜欢那条粉色裙子，有一种小时候吃的鲜花生日蛋糕的感觉。

第一场梦出现的时候，当黑熊开始唱歌，《鱼花塘》才真正出现，被困在房子里的叶子和走近鱼花塘的叶子，一个不舍，一个挽留，当小叶子穿着粉色毛衣出现的时候，大概是真的要告别了，叶子穿上小时候的毛衣，表达出自己最后的感受：不要告别，但不得不告别了，黑鱼精，女孩，熊，他们安慰着叶子，叶子坐在餐桌前回头看着我们，真正关于离别的情绪瞬间迸发出来，拉扯着我们，原来告别就是那么痛苦。

很喜欢《鱼花塘》里出现的光，外婆躺在床上，叶子站在身后，树叶的影子晃悠着沐浴在光里，亮堂的不像是真实的世界，记忆中的夏天就是这样，蝉鸣和亮的让人睁不开眼的阳光。

每当《鱼花塘》拉扯着叶子时，音乐就像一条流动的小溪，叮叮当当哗哗啦啦，有种童话般的感觉，在叶子与黑熊女孩手拉手转圈的时候，我不争气的流下一滴猪泪，真的真的，不想长大啊。

真的好喜欢导演的小漫画，如果说强烈的灯光变幻与音乐是打开梦境进入鱼花塘的钥匙，那小漫画就是真正的梦，是流动的，抓不住的，只能捕捉片刻的，情绪。

电影里每一段画面都是情绪，叶子和奶奶，奶奶和王奶奶的对话，听着听着就像是从电影院一下子飞回了老家的旧房子。

好喜欢情绪饱满的作品，没有撕心裂肺的哭喊，也没有让人听了之后感觉到疲惫的笑意，时间就那么从眼前流淌过去，我的过去也一泻千里！

真的抓不住啊。

太喜欢电影里打破第四面墙的对话和镜头了，最后所有人在草坪上跳舞，大小叶子站在一起，穿着粉色毛衣，我大哭，我大哭啊！

为什么我们必须要说再见啊，为什么啊，可恶！

导演在最后说，当现实真实到一定程度，就会有梦，我始终认为梦与光影是对现实的模仿，《鱼花塘》就在暧昧的画面下表现出了一种现实里说不清道不明的感觉，这是我们普通人的童年故事。

没有什么大的坎坷与一夜暴富般的命运转折，我们就在平淡的，一次次告别中体会着人类最宝贵的体验与情感，生死之外无大事。

刚刚从奶奶家回来，下周六去给爷爷烧纸钱。

这次是真的要说再见了，我的鱼花塘。

听说是回忆和爷爷奶奶一起度过的童年生活的电影，就去看了。

电影院前台没有人，检票也没有人，自己取票，自己刷码进场，自己看完了电影，因为只卖出了一张票所以自动包场了。

看完了之后非常懵，有点困，感觉不是太能欣赏得来这部电影。

确实是回忆童年生活，但同时有四个时间相互交织：2020年导演在和奶奶拍电影的时间，2013年电影中叶子22岁爷爷去世不久的时间，爷爷奶奶年轻时的时间，和妖怪们生活的虚幻不存在的时间。

所有时间的片段相互交错出现，都聚集在鱼花塘周围的空间，而念白很难理解。

出现了很多老物件，有些年代感的生活方式，和小学文艺汇演般的妖怪歌舞。

虽然某些片段中确实被感动了，猜到了一些电影想表达的意思，但还是一直在等一个导演把一切解释清楚、情绪也能尽情发泄的点。

结果导演并没有安排这样的情节，电影保持比较一致的风格直到结尾，只是轻飘飘地说了一句“这场梦终于要结束了”。

而且由于我预先看了影评的缘故，已经预料到前后的时间、人物有一些对应，导致最后能看懂的东西其实一眼就懂了，没看懂的仍然到影片结束也没懂，甚至包括片中有导演讲话这点都是靠英文字幕才看懂的。

或许这就是艺术吧，可惜我只是普通观众。

对我来说，《妈妈！

》那样直接、现实的感人作品要好得多。

是很新奇的表述方式，观看的时候一度被光影、音乐烘托的氛围搞得有点紧张，但适时的老歌/梦境插入又缓解了紧张。

是个多条时空线索并行的叙述方式，一切有些凌乱与懵懂，但是又不妨碍感情的接纳。

是成长、是告别、是真的不想离开，不愿醒来。

同样是被奶奶带大的我，在影院泪流满面。

很喜欢小雨导演在现场关于成长的回答：在亲人离去后，开始长大，拥抱长大，直面长大。

一部极度个人化的作品，也是最近看的影片中较少的叙事策略完全是非情节的一类影片，我能看出来的大概事件就是奶奶生了孩子之后看自己的孩子，自己的孩子长大后结婚却又离婚，然后把叶子留在了她的身边，于是叶子成为了一个似乎留守儿童的孩子，从小一直和自己的奶奶长大，而后来前些年爷爷去世了，奶奶的老年痴呆症也越来越严重，而影片的主人公叶子也很多年没有谈恋爱，也许是因为受到父母和家庭关系的影响，这些是影片中所体现出的前史，影片的主体其实就是在这样的背景情况下，至于主体所呈现的内容，很难说，如果两个人我都存在的话，那就正如豆瓣简介中所说的是叶子过暑假回到了家和奶奶相处一段时间后对过去时光的某种和解与接受，但事实上从影片的呈现上来讲，似乎并没有这么简单，我们甚至没办法分辨哪个人物是真实存在的，而这也导致了我们很难去发现一个人物的视点，这导致我们很难将影片极具跳跃性的叙事结构很好的统一起来。

在我看来，该影片很有可能是以奶奶去世之后，导演经过一段时间的反思，以导演视角讲述的一个站在奶奶视角出发去看待自己生活的故事，而在这个故事中，奶奶则是将自己想象成了孙女，也就是通过导演在影片中角色的视角来看待自己以及家中发生的一些事情，也就是说虽然躯体是孙女的形状，他的认知也是孙女，但实际上里面的人可能是奶奶。

但这个视角并不绝对，因为他也受到影片根本视角，也就是导演的场外视角的干预，导演有时候会像灵魂附身似的进入到自己的身体中，就比如影片最后一段小时候的叶子回家吃饭的戏，这里其实就是叶子本身的视角，而他在这段戏中有一个从沉溺于回忆到慢慢意识到回忆的非真实的过程，而这一点可能就与他作为导演的视角相关，也就是这个人物变化是因为导演在拍摄这部戏，所以沉迷于了梦幻之中，但是在越来越回忆越来越多的情况下，慢慢的到最后超出了自己的幻境，真正的勇于认识到了这些迷幻的所在，然后有了和这一切告别的勇气，所以其实本质上来讲这个影片的人物逻辑脉络在于导演作为一个回忆者自身的内心逻辑。

首先关于第一层作为呈现的具体形象的叶子与奶奶的关系，也就是影片故事中虚构的主要视角在我看来是奶奶的原因，也就说实际上这个叶子和奶奶是同一个人的原因在于叶子一直呈现出的很奇怪的走路姿势，虽然影片的一开始就是叶子在医院中检查身体，但是一些结节很显然难以造成她缓慢，迟钝，一瘸一拐的走路姿势，而在影片中所交代的信息可以看出奶奶她的一条腿的关节一直有问题，这是影片最明显的一处提示。

另外其他的地方在他进行表演设计的时候，也偶尔会体现出老年人迟缓，迟钝的样子，比如上厕所的时候，以及他一睡一整天的习惯，包括他在一些环境中看到的歌舞表演，都是呈现出老歌的质感，而造成这一切的生理原因在于奶奶的老年痴呆症，她经常会回忆，幻想出一些不存在的东西，根据这个我们可以做出一个猜测，可能是因为奶奶在爷爷去世之后一直是一个人住因此对于陪伴和亲情有着极强的渴望，这也催生了他对叶子的幻想。

另一方面就是导演自身视角在影片中的呈现，这一视角的明显标志是影片媒介自反性表现的直接体现，影片中有很多的镜头直接呈现出了影片是一个剧组在拍戏，从倒影中展现出了剧组中的灯光，相机以及录音师等等，而这有时候会让影片中的叶子回过神，发现这其实是一场戏，除了这些在倒影中的呈现，叶子在跟奶奶讨论尿毒症的时候，一方面在字幕中英语字幕直接打出了director：，也就是导演说什么什么什么，而这里所呈现的后面的两人的对话内容也是说奶奶不想再演戏了，而在一些空镜头过后，我们看到奶奶原本坐的地方空无一人，但是讨论声依旧存在，而桌子上却放着大力胶和场记板等。

这种对于戏中戏的直接呈现显然表明了影片具有一种客观性，也就是导演本身的视角在影片中的作用。

站在这样一个视角上，我们也许就更能看懂影片所要表现的内容，实际上正如上文所说，影片中人物逻辑实际上是导演作为一个回忆者的逻辑，事实上影片一开始的人物逻辑应该是一个刚开始准备回忆的，相对来说较为冷静的回忆者的内心，他进入了一个自己构建的回忆的场景，和回忆中的奶奶相互动，也许是直到奶奶说始终产生问题，第一次出现黑熊开始拨动钟表，然后进入幻境看到歌舞之后，导演开始越来越不能控制自己回忆的情绪，也越来越难以分辨自己和奶奶的关系以及现在时空与过去的关系，真实与幻觉的关系，当然在这之前影片已经展示了进入自己回忆幻境的导演看到一些能够唤起过去回忆性的事物之后对自己心境的影响，这也是对他作为一个回忆着内心变化的铺垫。

而后导演的主观情感以及奶奶一起附身在了叶子身上去感受和接受已经远去的有奶奶和爷爷和过去所勾织出的一个过去的回忆所组成的幻境，所以说与其说是以奶奶的视角看到了一些东西，不如说是作者主观上带着奶奶的视角再去看东西，是他想要通过奶奶的感受去体验那些过去的事物，以此更好的与奶奶和过去的事物做情感上的共鸣，或者说是告别，而这也是理解影片的核心，实际上就是导演尽力让自己沉浸于回忆的幻境之中，感受曾经这些回忆的美好以及他们已经流逝的恐惧，最终从梦中惊醒，也就是说从日神精神转换成了酒神精神，终于能够接受一切的逝去。

而实际上影片的故事的开始的实际事实应当是奶奶和爷爷全部都已经去世，爷爷去世在影片中的表现较为明显，而奶奶去世则是通过影片中的一些细枝末节以及最后他内心的独白和奶奶躺在床上的影像以及奶奶说自己已经不想演戏了，并且在那个段落中，原本坐着奶奶的椅子在空镜头之后空无一人再加上奶奶身患尿毒症却不去治愈，以及导演本身的视角选择等诸多细节所推断而出的。

所以其本质这个影片就是导演在失去奶奶之后对其进行了一番回忆，然后慢慢接受了这个事实的故事。

就影片的设计本身上来讲，该影片极具先锋性和巧思，也具有浓厚的情感，但但影片的最后只体现了情感以及导演个人的告别，并没有更明确地从中看到更加具有艺术普遍性和特殊性的对人类整体问题的呈现和讨论，这也是影片在主题的价值意义上的局限性。

同时该影片也具有比较高的观影门槛，这不是说影片就应该简单易懂，事实上如果体现复杂暧昧的情感，有时候高门槛是不可避免的，但该影片显然是由于导演技法和艺术设计的一些问题，增强了影片原本就复杂难懂的东西。

这不仅是由导演以极具个人情感意识为主导作为主要叙事脉络的原因（当然这是主要原因），还有影片在一些段落中叙事节奏缓慢的影响，事实上影片很多地方的剪辑完全可以更加干脆利落，而这不仅能使得影片的叙事节奏有更轻快的跃升，也能使得影片在表达上更加准确，另一方面所主要原因所导致的影片必须通过更加准确细腻的镜头语言，视听语言和表演语言来表现导演的所思所想，但是作为一个新导演，可能在这些地方还相对比较稚嫩，因此能够看得出他想要将自己内心最深处的情感所表现出来的热情和努力，但是从语言上来讲仍然不够成熟，包括他的叙事策略以及具体的蒙太奇长镜头的用法，似乎都不是最好的能够让观众所理解自己内心想表达事物的方式。

12.1苏州观影团。

看之前豆瓣评分7.0，看完变成6.9。

全场几十号观众唯一情绪共鸣处，是隔空交流环节南京场有一个观众提出“看不懂”，屏幕这边的我们不约而同发出一声诡笑。

我真的很努力地留意影片细节，努力思考导演意图。

然而依然看不懂。

几个印象深刻的细节：1.第一次提到时间，对话说的是2010年，字幕却是2020年。

2.电视上出现过海峡两岸节目播报中美联合军演，时间应为2013年。

3.片尾餐桌上不知是妈妈还是奶奶（若是中年时期的奶奶，演员形象过于年轻），膝盖不好，是否和女主腿瘸有关？

这部倍受业内推崇的影片，其实只适合在小范围圈子内流传，既能满足导演的圈内名利心，也能满足这小撮人群的文化优越感。

然而，它走进了院线。

也是，既然卖房拍电影，总得把房子再挣回来。

面向大众，至少得给出一个大众都看得懂的故事吧。

只给大众看情绪算怎么回事？

若是表达的情绪能让大众不靠导演亲自下场解读就能看懂，那至少这俩小时不白费。

什么时候我们的电影人能明白，只要电影还需要票房，它本质就是大众艺术。

业内吹捧这样一部半成品，一如当年对《逐梦演艺圈》一水的好评，只会让国产电影离观众越来越远。

如果吹捧本片的电影人，都想和本片导演一样，任性表达自我，那大可模仿很多“文字作者”，自费出书，只赠亲朋，不为名利，只为留念。

文字可以不需要读者，电影为什么一定需要观众呢？

曹雪芹写《红楼梦》时，是为了流芳百世吗？

梵高画麦田里的乌鸦时，是为了发财吗？

如果片方“求排片”成功，影片评分必将持续走低。

很多七八十年代的老歌听起来机具回忆感，会让我想起儿时的事情。

看电影的时候就会联想到自己了。

后来长大后，看到很多大妈再社区跳舞时，也会放这些怀旧金曲。

和同学聊起这个话题，他们却不理解，觉得我不时尚而且老气横秋。

之后我便很少和同龄人聊这个话题了。

现在，能从这部电影中听到这些曾经我喜欢却得不到身边人认可的旋律，感觉我的青春似乎才刚刚开始。

在中国电影史上一直面目模糊的合肥，终于因为一部由两位年轻小丫主创的电影而在这个初冬出圈，这部影像风格独特，充满少女回忆色彩（但并不阳光）的电影就是《不要再见啊，鱼花塘》。

片中的合肥方言也让观影者有一种陌生的亲近感。

尽管电影作者是90后的新锐导演牛小雨，但这部作品的主题却严肃又压抑——在一个男性缺失的环境里探讨生命的消逝和死亡给少女记忆留下的深刻印记。

故事发生在暑假，一年中最闷热的时节，在亲人逝去的余悲和纯女性构成的隐忍环境里，少女叶子用怪诞的梦境完成了一场盛大的告别。

电影从诞生以来就是造梦的艺术，而牛小雨初执导筒则显示了她重现梦境的出手不凡，对题材和画面的驾驭让观者看到了她捕捉和记录自己最初感受的复现能力，这背后是对记忆影像诠释方式的精心打磨。

最让我感到有意思的则是牛小雨导演和主演叶子、奶奶郑圣芝戏里戏外的感情。

女人与女人之间分享的不仅是关于男人的回忆，还有对生命的体验和同性之间的互相支撑，片名说是不要再见，但实际上，却通过一部电影来做一场盛大告别，开启女性相互支撑和圆满的世界，这点就很迷人。