我不在那儿

非常丰满的一部片子。

用不同年龄段的6个角色描述了鲍勃迪伦精彩的一生。

一直很喜欢民谣，但是一直没有找到喜欢的理由。

看了这部电影才发现，因为民谣接近生活，他唱的就是身边的故事。

而很多所谓的流行音乐过于矫揉造作，反而失去了音乐或者声音本身的味道。

鲍勃迪伦真的很像一个艺术家，有天赋，有自己独特的洞见，有无畏的批判精神和一针见血的破坏力。

艺术家从来不屑于讨好任何人，他们或许偏激，或许愚蠢，或许一无是处，但是他们是这个社会必不可少的可爱群体，他们给这个社会带来很多的美好。

我曾今以为我们一生的追求就是自由，而他告诉我，你追求的自由可能让你更加不自由。

在这个片子里，我看到了感动，看到了无助，看到了孤独，看到了绝望，看到了梦境……他一个人站在台上，在路边，在酒吧，在任何一个地方举办他的演唱会，他不讨好任何人，他用自己理解表达他对世界的看法。

他吹着口哨，直勾勾的看着你。

——简评《I’m Not There》 　　　　文/老丁 　　　　 　　　　有说迪伦是被拍传记片最多的音乐人，当然这种说法没有人去确切考证，况且也并非不是，因为迪伦自己人还健在，还远不到盖棺定论的时候。

但可以确定的是，之前的迪伦传记片普遍没有什么影响力，之前马丁·斯科塞斯拍的《No Direction Home》只能算是人物纪录片，但为什么之前那么多人的拍摄甚至编排成舞台剧都只能以失败告终，也许是迪伦不像猫王或者迈克尔·杰克逊一样拥有庞大的大众票房号召力或者商业价值，还有大家肯定都有一个心照不宣的共识——迪伦实在是太难拍了。

　　　　迪伦在流行音乐上的革命意义已经彪炳史册，有关他的歌词的文艺意义也几乎成为一门“显学”，几多次被诺贝尔文学奖提名，并且就在几个月前还被授予普利策奖，但美国的传媒界却几乎众口一词——不是迪论需要普利策奖，而是普利策奖需要迪论，他早已经成为一个标签化的人，一座丰碑式的期待形象，一个凌驾于大众之上的精神偶像。

而他个人后期与外界的相对隔离，他成名之后对记者的若即若离，以及他自己卓越的个人保护意识以及能力，都让“迪伦”这个符号被严重界定，但迪伦这个人又是一个非常不想自我界定或者被外界界定的人，这种虚虚实实的在场和不在场让迪伦成为影象的最佳素材，也是最难触碰并且最难表现的鲜活样本。

　　　　好在世界上不只有迪伦一个聪明人，在音乐上，在文学上，在政治态度和生活理想，不同的领域有各自的卓绝人士在维系着生命伦理。

领域之间有共融和互通，比如一切文学都是人学，所以迪伦也就并非不可表现，一种合理合适的影象，体现一个音乐人的生命历程在越发显得珠联壁合。

有鬼才导演之称的托德·海因斯就是一个聪明人，这个在《Velvet Goldmine》（丝绒金矿）已经可见一斑，还有一层意义，据说之前好莱坞过去10多年已经准备了大把的银子等着迪伦点头授权，但迪伦最终只认证了《I’m Not There》的版本，并向托德·海因斯的剧组送上祝福，在某种程度上也可看作是迪伦和托德·海因斯两人的通融。

　　　　一直被看作是噱头的多人分饰一角其实并非没有先例，早前就有一个音乐剧在表现同样伟大的约翰·列侬，不同肤色不同性别不同国家用了9个演员来体现列侬一贯主张的“世界大同”。

和托德·海因斯自己也承认，从《I’m Not There》还在酝酿的时候，他就早准备好了跳出《Ray》和《Walk the Line》的套路，用一种气象万千的张力来呼应迪伦，所以克里斯汀·贝尔、希斯·莱杰、理查·基尔、本·威士肖等人的面孔才浮出水面，而在茱丽安·摩尔等一干女演员试镜之后，在确定由影后凯特·布兰切特中标，熟悉电影的人会会心一笑，因为单纯从选角这一项，就可看出托德·海因斯慧眼独具之外绝对有谱。

　　　　望眼欲穿之后，影片先在威尼斯收获一个评委会大奖和凯特·布兰切特的最佳女主角，这几乎是意料之中的事，金狮输给的是张艺谋做主席的《色，戒》，但大家都已经不太在意。

略为在意的是凯特·布兰切特在奥斯卡最佳女配角中败北，大家也都知道，是届奥斯卡，凯特·布兰切特是最为风光的女明星，这些都是题外话。

而真正影片开始的时候，迪伦首先是一个叫伍迪的黑人小孩，抱着把写着“法西斯”的吉他到处游荡，好感立即又来了，因为大家还都知道，是谁真正影响了迪伦，而伍迪·格斯里才是“迪伦”这个符号真正意义上的父亲。

随后克里斯汀·贝尔扮演的民谣歌手杰克，以及那个叫约翰的“再生基督徒”，在一定程度上暗示了迪伦后期对基督和福音音乐的热衷；新生代传奇的希斯·莱杰扮演的拥有和迪伦一样的婚姻生活的罗比，一个因为私人生活面临分崩离析而被受纠缠的丈夫和父亲；理查·基尔在错乱的时空中高深莫测的老牛仔，隐喻因为摩托事故而从公众视线中遁离的时段；本·威士肖版本的阿瑟因为一直迷恋19世纪的法国诗人兰波而一直在阐述自己的主张和怀疑人生；更为惊艳的当然是凯特·布兰切特，黑白影象，现实和超现实交织，亦真亦幻，阴郁并且细腻，表情飘忽闪烁不定，脾气古怪不着四六，分明就是在英国巡演和《Don’t Look Back》时代的迪伦，在汽车里和艾伦·金斯博格隔窗对话的场景惟妙惟肖，坐卧的姿势和弹吉他的背影都让人叫绝…… 　　　　更让人叫绝的，是托德·海因斯称自己从来没有见过生活中的真实迪伦，更没有为了电影去采访或者请教他，只是通过迪伦的唱片和影象资料来接近，一种保持着距离的接近，一种艺术上的逻辑接近，一种断裂的破碎接近，托德·海因斯自己说：“电影从他的生活中汲取素材，6位迪伦会站在一起告诉我们，这个拒绝自己以往扮演的任何角色，不断前进而又不断否定自己的人到底是谁。

”虽然启用了不少好莱坞明星，但影片《I’m Not There》还真是拍给迪伦自己看的，拍给迪伦的研究专家和崇尚文艺的知识分子们，因为其中有关迪伦自己的生长背景，有关迪伦生长过程中经历的垮掉一代、越战、黑人解放、女权运动等时代背景，包涵了太多的“在场”信息。

对于同时代的人或者研究迪伦的人来说，这些信息的存在是绝对必要的，而对于一般的迪伦粉丝，或者普通的观众来说，就显得晦涩并且了无生趣，所以托德·海因斯剑走偏锋，丝毫没有讨好大众的意思；更难能可贵的是，就是对于那些标榜研究迪伦的专业人士也不啻为一种折磨，庞大繁杂的资讯在很短的时间内不断切换跳跃，在一种措手不及中完成着场景和画片的转接，故弄玄虚并且出其不意，不知道下一步衔接的将是一个什么样的存在，这种方式的确相当“迪伦”。

　　　　曾经在美国研究过迪伦的国内乐评人袁越（著有《来自民间的叛逆》，其中有大量篇幅讲解迪伦），看过《I’m Not There》影片后曾放言，“我相信国内能够真正全部看懂这部电影的人不超过10个”，他的意思应该自己是看懂的10个人中间的一个，这种说法还是一种可爱的执拗。

其实电影的名字已经是“我不在场”或者“我不在那儿”，懂和不懂又有什么的界限。

因为单纯从电影看，这是一部文艺片而非商业片，这是一种以迪伦的方式拍迪伦的影片，这也是之前拍过的林林总总迪伦传记电影甚至音乐人传记电影中非常出色的一部。

而迪伦自己之所以选择离开公众视野，也许正是有那么多的人想“弄懂他”，弄懂他为什么一直在变，弄懂他为什么可以“给时代代言”，弄懂他的音乐和他的歌词之间到底是在讲什么，甚至弄懂他和琼·贝茨之间到底有没有爱情而又为什么分手。

那么多人想把迪伦这个人神化，神化之后又有那么多人想把迪伦这个神还原成为人，于是人神之间来回折腾，直到迪伦自己都厌倦了，于是选择“不在场”，谁知道“不在场”竟然也是一种“在场”，哲学意义宗教意义上的诠释纷至沓来。

所以不管迪伦自己是不是被拍传记片最多的音乐人，但肯定是养活评论家最多的音乐人，猫王和列侬没有活他这么时间长，杰克逊又没有像他这样会写歌词。

于是就他这样的差劲嗓子，一个一般意义上绝对的糟糕歌手，让流行音乐不在只是音乐，从这个意义上说，托德·海因斯拍出来的《I’m Not There》真是善莫大焉。

　　　　“我不是什么代言人，我只是月光下裸体的舞者”，成名后的真实迪伦究竟是一个什么样子实在是有趣，有趣到无趣，因为已经被过多的阐释，被过多的神化，从某种意义上说，这种阐释甚至还不如一定要爬到迪伦家房顶上窥探他私生活的行为更为可爱，但是没有办法，他自己有这个能耐成为一个能够“预测风向的人”，即使到了后期躲进小楼，还是有各类的奖项等着颁誉。

作为一个公众人物他无法脱离公众，就如同作为一个现代人无法脱离现代，一个“在场”的人必须在场一样。

“I’m Not There”出自迪伦一张没有正式发行的专辑《The Basement Tapes》，据说歌词中有这样的句子，“我总是在诱惑面前犹豫不决/现在诱惑不再跟随我/但我已不在那里/我已远去。

”年近七旬的迪伦回首前尘往事也许会万般寂寞，但其实，从电影《I’m Not There》中，从一干为电影做配乐的Pavement、Yeah Yeah Yeahs、My Morning Jacket、Pearl Jam、Television以及Wilco乐队主唱全数在列，还有Sufjan Stevens和Cat Power，Sonic Youth和Yo La Tengo，老一辈的Willie Nelson以及迪伦多年的好友Ramblin' Jack Elliott……其实大可不必寂寞，聪明人还是大大的有，迪伦自己应该还是可以欣慰的。

http://bbs.breezecn.com/read.php?tid=169603我第一次看也没怎么看懂 还要从新看看

没必要，真的没必要。

转场的技巧搞的太多反倒没意思，也不适合做什么筛选是否了解迪伦的入门门槛。

果然音乐人的传记真的很难拍。

片中的设置六个不一样的迪伦确实很有意思，但是又想说一遍，没必要，真的没必要。

六位当中，我认为演技最好的芭乐老师和本老师出场相当的少。

而出场最多好评最多的大魔王老师我却又实在欣赏不来，既然想要表现迪伦可以是任何年龄段任何人种，何不直接设置一位女迪伦多好，如果性别为女导致和Nico的纠葛显得奇怪不如直接把女迪伦安放在别的时期。

Cate帅是帅的，可惜不是迪伦，她的酷更像是一种拿捏出来的姿态。

演技用力像本片一样用力过猛了。

迪伦老师在任何一个时期都是内心其实相当痛苦和挣扎的，如果说那一时期的迪伦对社会、粉丝、媒体有漠视，那漠视应来源于内心的浩战让其无心顾及外在，而Cate演出的迪伦并不痛苦，仿佛21世纪刚出道喊着“I don't care anything”的摇滚三流小明星。

我实在无法认同Cate老师在本片中的扮演，她好像太过于在意演出男性性别了，也力求把外表做到最像了，外在用力过猛迪伦本身的特质就弱化了。

迪伦老师常年内心痛苦，应该是那种内心并没有一刻真正饶恕过自己饶恕过世界的人。

这个状态不如全部扔给Christian Bale演，因为他们说到底是一类人，外界好倒是比不上自己放过自己。

我对这类人总是格外着迷，迪伦老师的歌词“Fearing not that I'd become my enemy,in the instant that I preach”也正是对这类人的最好解读。

所以全片芭乐的气质最最接近迪伦，即使芭乐老师瘦冷硬的外表有一定的优势，但内在dark inside，无论是演讲时当众发表骇人言论还是后期宗教时期，都是最像迪伦的。

Christian Bale的大部分电影的演技着实让我忍不住赞美，神到了，形上无需在用力了，所以或许总有一些影迷认为芭乐老师欠火候，我却觉得其他人用力过猛了。

关于I'm not there和No direction home两部Bob Dylan的传记电影，我是这么看的。

要是你对Bob Dylan不太了解，千万别看I'm not there，基本上看不懂，导演弄了很多表现手法在里头，整了6个完全不同的Dylan，还分别叫Woody、Arthur、Jack、Jude、Robbie和Billy，时空交错，一会儿分段，一会儿又堆一起，谁搞得清楚，看着特别累。

但不得不说演员很好，Cate Blanchett女扮男装的最有神韵！

太惊艳了！

这不拿了个金球奖最佳女配角。

另一女配角Charlott Gainsberg太美了，这段我完全冲着她看完的。

还有演Woody Guthrie崇拜阶段的小黑人演得特别好，早慧啊。

如果想通过电影了解Bob Dylan，最好还是看老马丁·西克塞斯拍的No direction home，纯纪录片，都是货真价实的Dlyan，婴儿肥阶段的，新港音乐节阶段的，像块滚石阶段的，皱纹老头儿阶段的…… 4个小时，巡演+音乐节的表演都很嗲，把Dylan早期经典作品都收了。

从这电影顺便知道了Dylan以前的女朋友，民谣歌手Joan Baez，天籁啊，怎么国内很少有人提呢？

Dlyan很复杂，背景交待很详细，4个小时电影一半讲他如何成长成熟，一半讲他像块滚石转变风格了，然后就没了……后来的Dylan怎么回事？

不知道，我得找本《像块滚石一样》看看。

还有最近的Factory Girl，从中可以了解Dylan不爽Andy Warhol的原因。

另外《爱摇》的一位同志对“像块滚石一样”的说法提出异议：话说我也没做过什么调查，英语也是外行，只是手头有本《硬汉多功能词典》，上面有like a rolling stone这个短语，说意思是“无家可归的人”，我觉得这就是正解，清楚明了，BOB那首歌，意思顺下来唱到这句，我觉得还是正解，那本牛逼的摇滚杂志，大致用这个意思，如果还能找到一个简练符合中文习惯的说法，无家可归的人还是正解。

像一块滚石是什么意思，我不大相信美国有什么俗语说法之类的，滚石……难道是西部大荒原上风滚草一类的东西？

在威尼斯看过此片首映后一直胸怀激荡，即刻就产生了再看一遍的愿望，不过大概还有更多人排着队要看此片，之后的几场放映会场场爆满，终于，我再看一遍的愿望无法达成。

但好歹我有过141分钟令人激动的音乐体验，早已经自觉非常幸福啦。

（有多好看？

这样说吧：如果你喜欢Bob Dylan，你一定要看。

即使你之前并不喜欢Dylan，看后你也一定会爱上他。

另一个你会爱上的人是Cate Blanchett。

Todd Haynes对Cate的改造实在令人难以置信。

为什么，世界上竟然有这样橡皮泥一样的人，想捏成什么样就变成什么样？

而这次，电影公映以后，Cate定会成为全世界女同志们的集体爱慕对象！

这一点，我丝毫没夸张。

）但客观地讲，几位Dylan中最出色的是Christian Bale，尽管六位演员都很棒，但他还是脱颖而出。

无论是口音还是腔调，连动作都似，关键只有他并不是单纯地模仿，他给Dylan带来了不一样的东西，但就是那么令人信服。

不过Cate Blanchett身为女人的特殊性抢了风头，我心目中第二出色的是演“Woody Guthrie”的黑人小孩。

配角都很好，几乎抢了主角的戏。

Michelle Williams演的Coco Levington是个大惊喜。

这个角色几乎是Edie Sedgewick的化身，Michelle的演出可比Sienna Miller强一千倍，太美，太神似了，相比，他的老公Heath Ledger虽然戏份很多，但只懂得卖弄鼻音，让我老想起《断背山》，一点也比不过他只有两幕戏的老婆。

Charlotte Gainsbourg也非常好，她跟Heath演对手戏，她的角色Claire影射的是Dylan的前妻Sara Lowndes。

结果我只记得她，一点不记得Heath的表现有什么亮点。

Julianne Moore的角色非常非常Joan Baez，这一点，在放片时引来影厅内阵阵笑声……因为太像了……而她们本来又那么不像…… 说回电影。

《I'm not There》可以说是Todd Haynes最精致的一部作品。

据肉眼判断，至少用了三种不同的胶片拍摄，有那么多大明星和超豪华的配乐，结构前所未有地完整（尽管叙事是零散的片段式），而且还拍了不少外景（-_-)！

跟Todd以前那些简陋而充满灵气的作品相比，这次他的拳脚放得更开，而且不是一点点。

于是，他似乎很想把过去玩过但由于资金所限没能做到理想效果的元素全都搬出来重新展示一把，因此可以看到许多他最擅长的手法：《毒药》里的假纪录片，《Velvet Goldmine》和《Dottie Get Spanked》里通过电视媒体视角探讨问题的叙事手段，《Superstar》和《VG》里的MV感，《远离天堂》里的melodrama式叙事……当然，故事的主线也继承了《Superstar》和《VG》传记与虚构相结合的手法，从某种意义上说，6位演员都是Todd的芭比娃娃，芭比娃娃可以将Karen Carpenter的故事讲得那么动人，6位演员更可以。

从个人角度说，《INT》还有一个让我觉得不可思议的地方：兰波——在《VG》中，Todd曾把David Bowie和Bryan Ferry比作王尔德的后人；这一次，他又把Bob Dylan比作是兰波的转世。

当《香水》男Ben Whishaw在接受盘问的时候报上名字：“Arthur Rimbaud, R-I-M-B-A-U-D, Oct. 20th, 1883……”我真是感动得热泪盈眶——为何Todd同学居然如此与我心灵相通，不但偏好一致，连YY起来的思路都一样呢？

Ben的造型很成功，连我这个兰波专家都觉得他很神似，远比Leonardo DiCaprio像（当然，我仍然认为形象上最接近兰波的是年轻时的Hugh Grant）。

尽管Todd同学这次出手宽裕了一些，但放在好莱坞，这还是一部相当省钱的电影——Dylan没要版税，明星演员几乎都不拿片酬，许多音乐人免费送了歌……不过，这些音乐人翻的Dylan歌几乎都没能收进电影。

影片中非Dylan演绎的歌我能分辨出来的只有Yo La Tengo和Calexico，片尾，在Dylan自己唱完Like a Rolling Stone后，伴字幕出来的还有Sonic Youth版I'm Not There，真是太好听了，严重推荐，最后还有安东尼小胖子唱的Knocking On Heaven's Door，效果也很奇妙。

据说Charlotte Gainsbourg唱的Like A Woman也特别好，不过电影里放不下了，Todd还得意地强调说，Soundtrack出来后你们一定要听听。

再说一下片名《I'm Not There》，我说过我并不是Dylan忠实的乐迷（Todd Haynes也不是），因此之前并没有听过这首被用作电影标题的歌。

此曲收录在60年代的B-Sides专辑《地下室作品集》中，充满了半成品的粗糙感。

为什么Todd会选择这么一首Dylan的歌作为标题？

很简单。

想想Velvet Goldmine，也是一首B_sides。

这是一首诉说的是一个人想出现在另一个人的身边提供援手却力所不能及时的焦虑和痛苦。

“我多么想在你身边，但我不在。

我走了。

”说的是谁呢？

是Bob Dylan自我审视，是Todd Haynes的想象?都是。

Todd在发布会上说，第一次听这首歌，他就深深被迷住了。

除了这首歌表达的这种力所不能及的痛苦外，他还联想到兰波（Arthur Rimbaud）有名的一句诗：“I is another。

”这种“在别处”的疏离感，与Dylan人生的复杂性和诗意是多么的吻合。

其实，说了这么多，我却似乎几乎没说到重点。

请原谅我在劳累状态下的思路混乱。

究竟为什么好看，我想喜欢过Todd以前任何一部作品的人都明白。

顺便说个小八卦，看《I'm Not There》前，我在威斯汀的露台上遇到刚看完一部片，还在等下一部片开场的Gregg Araki。

伊正好有时间，于是俺很兴奋地跟他聊了一下竞赛片的观感。

不出所料，他说目前最喜欢《色戒》，接下来最期待《I'm Not There》。

说到Todd Haynes的名字，他就两眼放光，盛赞起来。

他说《Superstar》永远在他心中占据着一个特别重要的位置，and all Todd's movies are always very interesting。

我瞬间明白，为什么这两个人我都喜欢。

说了那么多好话，再说坏话。

第一，显然Todd Haynes并没有像喜欢David Bowie那样喜欢Bob Dylan——《INT》没有《VG》那么有激情，每一分钟都感觉得到。

结尾尤其明显——Todd也太草草了事了。

这是他最没有力量的一次结尾。

第二，这个片子里有一些非导演剪辑的痕迹，比如heath ledger和richard gere，这两个演得最差的dylan，却有相当高的出现频率。

至于Cate Blanchett那一段超重甚至开始有点卖弄的戏份，不用说了，一定又是哈维·温斯坦的主意。

*****补充分隔线*******时隔半年后看了第二遍。

理性地看此片时，有一些问题是我后来想到的：可触摸的真实，背后道出的却是不可触摸的深意，这是Todd Haynes最擅长的。

如果把此片看作是bob dylan的传记片，甚至“纪录片”，那么你首先已经错了。

它的确引用了大量史实，但是目的决不是告诉你bob dylan的生平是怎样的，弦外之音才是这部电影的意义。

它其实不是一部传记片，借dylan故事，Todd Haynes诉说的是那一代人的情结。

他理想中的dylan，像Rimbaud一样，早在仍然年轻时就死去了。

也许，I'm not There这个标题本身还有另一层意思——The poet, prophet, outlaw, fake, star of electricity, that Bob Dylan is gone.

爱死Cate Blanchett在这个电影里面的身影了 消瘦脆弱 感觉随时会破碎在风中 但却是异常的坚定沉着就是喜欢这种感觉 即便看不到你长什么样子不知道你是什么样的人 这般身影就会令我爱上你

大师是人类精神的灯塔，是历史河床上沉淀的珍珠。

大师用智慧与才能改变世界，改变人类。

然而，这却是一个缺少大师的时代，零星的大师像夜空中闪亮的星辰，照耀我们前行。

今天，通过一部匪夷所思的传记片，认识一位“匪夷所思”的大师。

2011年4月6日晚，北京工人体育馆盛况空前，中国乐坛一大半牛人齐聚于此。

他们当中既包括崔健、何勇、张楚、郑钧、汪峰、痛仰乐队等摇滚圈名人，也包括高晓松、宋柯等民谣届大腕。

他们齐聚于此，都是为了瞻仰一个人的风采——他的名字叫鲍勃·迪伦。

【鲍勃·迪伦北京演唱会】彼时，鲍勃·迪伦年已七旬，白发苍苍，面对众星捧场，他神情冷峻，没说一句废话，直奔主题，而众星则如小学生般正襟危坐，不敢丝毫怠慢。

那一夜，鲍勃·迪伦的名字在国内不胫而走。

时隔五年，诺贝尔文学奖正式公布，呼声很高的日本作家村上春树惜败鲍勃·迪伦，再一次于国内掀起轩然大波。

评委会的评价是：“（鲍勃·迪伦）在伟大的美国诗歌的传统中创造了新的诗歌表达。

”而因歌词写得好获得诺奖，鲍勃·迪伦是蝎子拉屎——毒（独）一份儿。

【鲍勃·迪伦获诺贝尔文学奖】非但如此，苹果创始人乔布斯在《乔布斯传》中也透露自己最崇拜的一个人便是鲍勃·迪伦，他的iPod中收藏了12张鲍勃·迪伦的专辑。

鲍勃·迪伦究竟是谁，他凭什么能折服众星，击败村上春树，迷倒高傲的乔布斯？

今天，我们用一部“匪夷所思”的电影，了解他匪夷所思的人生——《我不在那儿》。

这部电影是由美国独立电影界最另类导演托德·海因斯执导，鲍勃·迪伦本尊高度认可的一部电影。

【电影《我不在那儿》剧照】为什么说它匪夷所思？

因为这部电影不走常规路：用六个演员扮演鲍勃·迪伦，而且打破传统叙事结构，以破碎的片段拼接，充满隐喻与玄机，以至于很多观众看不太懂。

【影片由六名演员扮演鲍勃·迪伦】尽管如此，这部影片仍凭借本身的新颖性以及鲍勃·迪伦强大的影响力获得第64届威尼斯电影评委会大奖。

在我国，这部影片也获得了高达7.9的豆瓣评分。

导演海因斯表示：观众可以把这部电影当做一场梦，一次心灵之旅。

【《我不在那儿》豆瓣评分7.9】这部电影究竟有着什么玄机？

下面就联系鲍勃·迪伦的生平解读一下：一、多才多艺的文艺青年1941年5月24日，鲍勃·迪伦出生在美国一个富有的中产阶级犹太家庭。

受热爱艺术的母亲影响，鲍勃·迪伦打小便是个不折不扣的文艺青年。

他不仅有很高的音乐天赋，经常在亲朋好友聚会时表演唱歌，而且还喜欢写诗、画画、看电影。

其中，写诗是鲍勃·迪伦的最爱，经常在上课时不认真听讲，偷偷在下面写诗。

【文艺青年鲍勃·迪伦】值得一提的是，鲍勃·迪伦本名叫罗伯特·艾伦·齐默曼，但因为他非常崇拜诗人迪伦·托马斯，所以，才取了“鲍勃·迪伦”这个艺名。

事实证明，孩子会一门特长有多重要。

多年之后，鲍勃·迪伦将诗歌融于歌词，使歌词文采斐然，充满隐喻、意蕴深远，还因此获得了诺贝尔文学奖，并令同行披头士十分羡慕。

高中毕业后，鲍勃·迪伦考入明尼苏达大学。

和很多音乐人一样，他不好好学习，通宵达旦搞音乐，结果，大一的时候就被开除退学。

那时，鲍勃·迪伦最喜欢的歌手是左翼民谣之父五迪·格斯瑞。

五迪·格斯瑞的音乐什么风格？

诺贝尔文学奖得主约翰•史坦贝克曾给出过一个评价：“在他的音乐中，可以看见人民容忍和对抗压迫的意志。

”所以，鲍勃·迪伦歌曲中的现实主义风格多半是受到了五迪·格斯瑞的影响。

退学后，鲍勃·迪伦背起吉他、提着皮箱，从白雪皑皑的明尼苏达州一路漂泊来到了纽约的格林威治村，开始了自己的民谣歌手生涯。

这一路上，难免有人问他从何方而来，这时，热爱幻想的鲍勃·迪伦喜欢谎称自己是来自美国南方、靠演马戏为生的一个孤儿。

【文艺青年鲍勃·迪伦】影片开场的第一幕戏，实际上就是隐喻鲍勃·迪伦的这段遭遇。

其中，有三个细节值得玩味：第一个细节是：首位扮演鲍勃·迪伦的演员马库·斯卡尔·富兰克林是一名黑人，而鲍勃·迪伦却是个白人；

【扮演鲍勃·迪伦的是一名黑人演员】第二个细节是：第一幕戏中的角色名字叫做五迪·格瑟；第三个细节是：五迪·格瑟拿着的那把吉他上写着“This machine kills Fascists.”（打倒法西斯）

【充满隐喻的符号】这些都充满隐喻：由黑人扮演鲍勃·迪伦，是因为鲍勃·迪伦的音乐启蒙受到乡村音乐与黑人音乐的影响；角色的名字叫五迪是因鲍勃·迪伦受到左翼民谣之父五迪·格斯瑞的影响；吉他上写着“打倒法西斯主义者”则代表着鲍勃·迪伦一生的抱负——用音乐来打倒一切压迫。

二、充满反抗意识的民谣先驱来到纽约格林威治村后，鲍勃·迪伦遇到了自己的初恋女友，美国人心中的“民谣缪斯”——苏西·罗托洛。

【民谣缪斯苏西】苏西出生在一个红色家庭，父母都是西方共产党员，同时，父亲还是工会领袖，因此，苏西对西方腐朽的政治以及种族歧视都深恶痛绝，这也深深影响了鲍勃·迪伦。

当时，鲍勃·迪伦居无定所，靠唱歌为生。

苏西的母亲和姐姐都觉得这小子不靠谱，劝苏西别同他来往。

但苏西却爱上了鲍勃·迪伦的才华，央求姐姐收留穷困落魄、但志向远大的鲍勃·迪伦。

【鲍勃·迪伦与苏西】时值上世纪六十年代，美国社会动荡，黑人民权运动、反越战运动、妇女解放运动几乎同时爆发。

【黑人民权运动领袖马丁·路德·金】正如前文所说，受左翼民谣之父五迪·格斯瑞的影响，鲍勃·迪伦心里早就埋下抗议的火种。

在苏西的鼓励下，1962年到1963年之间，鲍勃·迪伦利用短短20个月的时间创作了《大雨将至》、《战争的主人》以及美国民谣史上最经典的歌曲《答案在风中飘扬》。

这些歌曲表达了对核武器军备赛的担忧，涉及有关贫困、种族歧视、监狱、沙文主义、战争、反思原教旨主义等内容，对剖析美国社会状况，鼓舞民权运动产生了积极而深远的影响。

鲍勃·迪伦因此一炮而红，成为美国民谣先驱，精神领袖。

【鲍勃·迪伦演唱经典民谣《答案在风中飘扬》】但正应了那句话“职场得意，情场失意”，这期间由于鲍勃·迪伦与另一位民谣歌手琼·贝兹关系暧昧，以及老是喜欢撒谎，让苏西感到十分没有安全感。

再加上，苏西是个独立意识很强的女性，随着鲍勃·迪伦的光环越来越耀眼，人们在谈论苏西时，总将她当作是迪伦的附庸品，这让她十分不满。

于是，19岁的苏西搬出了和鲍勃·迪伦同居的住所，并打掉了腹中胎儿。

【鲍勃·迪伦与民谣歌手琼·贝兹关系暧昧】鲍勃·迪伦为此十分沮丧。

此后，他的感情生活也不顺利，一生结了两次婚，但都以离婚告终。

电影中，导演对此进行了艺术改编，通过电影演员罗比•克拉克与法国女画家火热的恋情，以及两人婚后生活的不愉快，来展现鲍勃·迪伦坎坷的婚恋经历。

【希斯莱杰扮演的鲍勃·迪伦】细心的观众可以看出扮演法国女画家的演员与苏西长相酷似。

三、迷幻而分裂的摇滚歌手由于鲍勃·迪伦写出无数脍炙人口的民谣抗议歌曲，使人们将他认作是政治抗议的代言人，殊不知热爱艺术的鲍勃·迪伦对政治十分不屑——他仅仅是渴望用艺术引领人民获得和平与幸福，而没有任何政治目的。

1963年12月，鲍勃·迪伦站在人权奖的领奖台上，出乎意料地说：“我看低那些统治我的人，他们为我制定规则，却都顶上无毛，这令我愤怒。

对我而言，再没黑白人种、左右党派之分，只有上和下，向下非常接近大地，我只想奋力向上，全然忘记政治这样的琐事。

”

【叛逆的鲍勃·迪伦】为了摆脱政治代言人的形象，1964年，鲍勃·迪伦制作并发行的新专辑《鲍勃·迪伦的另一面》，里面不再有抗议歌曲的影子。

1965年，新港民谣音乐节上，当观众都想听鲍勃·迪伦演唱民谣歌曲时，他却使用电吉他玩起了摇滚乐，搞得台下观众嘘声一片，骂他是民谣界的叛徒。

【鲍勃·迪伦在新港民谣音乐节插电演出】但“我行我素”的鲍勃·迪伦从不愿被别人的想法所左右，他讨厌自己被贴上“标签”。

其后，鲍勃·迪伦进入了摇滚歌曲的高产期，不仅谱写了世界最经典摇滚歌曲之一《像一块滚石》，同时，打造了《重返61号公路》和《美女如云》两张“史上最佳摇滚专辑”。

在此期间，他还与摇滚巨星披头士产生交集，成为世界摇滚界的一段佳话。

据说，那天，阳光明媚，鲍勃·迪伦与披头士在公园偶遇，一见面几个人便打成一片，临别时，鲍勃·迪伦还特意告诫披头士把歌词写得更有意义一些。

影片中，导演特邀女星——奥斯卡影后凯特·布兰切特扮演1960年代由民谣向摇滚乐转型期间，最具争议性的鲍勃·迪伦。

【影后凯特布兰切特反串扮演的鲍勃·迪伦】影后雌雄同体，宛如妖孽的表演完美体现出了鲍勃·迪伦的迷幻色彩，荣获第28届奥斯卡金像奖最佳女配角提名。

四、隐居的福音歌手1966年，鲍勃·迪伦骑摩托车出了车祸，之后，神奇地消失在人们的视野中。

当粉丝们心心念念寻找偶像下落时。

鲍勃·迪伦却隐姓埋名在伍德斯托克小镇过上了安逸的隐居生活。

这种生活断断续续一直持续到六十年代末。

在此期间，鲍勃·迪伦不仅娶妻生子，还做了三件事：第一件事是写诗；第二件事是进行音乐实验，他用口琴和木琴创作了没有抗议性质的民谣《John Wesley Harding》，制作了风格甜腻的乡村专辑《Nashville Skyline》等；第三件事是成为一个获得新生的基督徒并发行福音专辑。

影片中，导演用传奇罪犯比利·基尔躲避警方追捕逃到乡村隐居的桥段来隐喻鲍勃·迪伦的失踪。

【查理基尔扮演的罪犯隐喻隐居时期的鲍勃迪伦】

【克里斯蒂安·贝尔饰演的福音歌手鲍勃·迪伦】同时，由演员克里斯蒂安·贝尔饰演隐居时期的鲍勃·迪伦，塑造了一位重获新生，传递福音的歌手形象。

五、永远不老的创作者如今，鲍勃·迪伦已经七十八岁了，但他依然保持旺盛的创作力，每天写诗、写歌、画画。

2018年，77岁鲍勃·迪伦在香港开唱，宝刀不老，引发万人空巷，见证了他对音乐孜孜以求的一生。

为了反映鲍勃·迪伦的创作精神，在影片结尾处，导演利用男主怀抱吉他坐着火车驶向远方的场景，象征着鲍勃·迪伦对音乐永无止境的探索精神。

【男主怀抱吉他坐火车驶向远方】此外，很多观众不理解为何影片的各个桥段中间穿插由本·威士肖扮演的以诗人兰波为原型的审判戏。

【本威士肖扮演的以诗人兰波为原型的审判戏】这是因为鲍勃·迪伦曾受诗人兰波的影响写了大量具有现实意义的歌词，所以，以此进行隐喻。

六、启迪意义值得一提的是，为了增强影片的音乐传记气质，导演特邀30位音乐人进行OST创作，他们怀着对鲍勃·迪伦的崇敬之心，用歌曲串联了每个桥段，这点受到鲍勃·迪伦的盛赞。

整部影片看似复杂，但却从头到尾强烈突出一个主题，那就是：鲍勃·迪伦始终没有放弃对音乐的追求与热爱。

【鲍勃·迪伦始终坚持对音乐的热爱】虽然，属于鲍勃·迪伦的时代已渐渐远去，但他深入现实的创作精神以及对梦想的赤诚追求，放到任何时代都有着深刻的启迪意义。

下面结合我国乐坛现状，谈谈我的看法：一方面，我国很多音乐人无法保持恒久的创作能力。

最主要的表现就是有的歌手一辈子只有一两个代表作，此后，再也没什么新歌。

而鲍勃·迪伦一生佳作，数不胜数，这得益于他对音乐的孜孜以求。

另一方面，我国当代音乐人炮制的歌曲多半内容空洞，口水歌泛滥，鲜有反映社会现象的佳作诞生。

综观我国当代乐坛，至今没有创作出脍炙人口、广为流传的佳作。

而且歌曲题材单一，普遍都是反映小情小爱——当然，爱情歌曲是不可或缺的，但好的音乐生态应该是内容丰富、题材多元，这需要我国音乐人继续努力。

再看鲍勃·迪伦的作品，题材广泛，涉及爱情、战争、各种社会现象等方方面面，这点非常值得我国音乐人学习。

这是一个大师越老越少的年代，但大师不死，只会凋零。

他们的光辉像夜空中的繁星，照耀着人类前行的脚步。

如果不是看片之前先对故事的结构和鲍勃·迪伦本人有了一个大体上的了解，估计我也会在这两个多小时的片子里迷失。

这是部有创意的人物传记片，六个完全不同的人物，六个完全不同的演员来扮演，故事将时间顺序打碎，用看似完全不连贯的六段故事，时而黑白时而彩色的影像不断穿插，仿制的人物采访和作旧逼真的实况演出图片交替出现，通过每一个人物将鲍勃·迪伦切割成块，似乎正好与开头时躺在手术台等待解剖的画面相呼应。

他音乐风格的转变，他的思想，他的信仰，他的情感，经由不同演员的表演不断展现在观众面前。

这部片子所涵括的信息量也无比丰富，我想如果对鲍勃·迪伦本人不十分了解，或者说对上世纪60年代的美国社会现状不了解的人恐怕在看片的过程中会遗漏、忽视很多信息。

于是，在我的眼里这部片子与其说是结构特殊的人物传记片，不如说鲍勃·迪伦变成了一个文化的符号与一种精神的象征，从他自我而随性的生活状态中反而体现出他对于音乐本身的一种执着与坚持。

六段故事里印象最深刻的当数凯特布兰切特的反串演出，削瘦的身型顶着一头曲曲弯弯的短发，有些神经质的手部动作，吸烟时蜷局的腿，将一个相当自我的摇滚音乐人展现无疑，因此，很多人都说她所扮演的形象最靠近迪伦本人，而片子最后车上的凯特布兰切特那个意味深长的眼神或许展现了演员本人作为女性狡黠的一面，令人难忘。

已逝的希斯莱杰在其中也扮了迪伦的另一个侧面，展现了迪伦的感情世界，他与妻子的相识、相爱与分离，从这个段落中可以感受到他对妻子的爱，但是也由于其自身的性格原因，两人的分手也再所难免。

总而言之，虽然通篇导演运用的电影手法众多，初看之时或许有些难以理解，但是，如果能静心品读应该还是可以理解其中的意味。

1.never trust a cop in a raincoat.2.beware of enthusiasm and of love.each is temporary and quick to sway.3.when asked if you care about the world's problems,look deep into the eyes of he who asks.he will not ask you again.4.never give your real name.5.if ever told to look at yourself,never look.6.never say or do anything the person standing in front of you cannot understand.7.never create anything.it will be misinterpreted.it will chain you and follow you for the rest of your life.and it will never change.